Il Postino

No se si este enamorado aveces creo que si ella no lee mi blog le vale gorro sin embargo cuando estoy con ella me transformo me enoja, me alegra, me transforma
Me harás falta


me harás falta si te vas.
Me faltará tu serenidad
Tus palabras como canciones al viento
y el amor que ahora te llevas.

Me harás falta si te vas
Ahora para siempre, no sé como vivir
y la alegría, amiga mía, se va contigo.

Me harás falta, me harás falta porque te vas
¿Por qué el amor en ti se ha apagado
por qué , por qué...?
No cambiará nada lo sé
y dentro te siento.

Me hará falta la inmensidad
de nuestros días y noche juntos nosotros,
tus sonrisas cuando oscurece,
tu ingenuidad de niña, tu ...

Me harás alta, amor mío,
me miro y encuentro un vacío dentro de mí.

Hoy vi la pelicula "Il postino" una maravillosa pelicula y un tema musica espectacular y escuche esta melodia pensando en ella



acera de la movie

Il Postino (también conocida como El cartero (y Pablo Neruda), El cartero de Neruda o simplemente El cartero) es una película en italiano, de 1994, dirigida por Michael Radford, la cual cuenta la historia real del poeta chileno Pablo Neruda y su relación con un simple cartero que aprende a amar la poesía. Está protagonizada por Philippe Noiret, Massimo Troisi y Maria Grazia Cucinotta.
Fue adaptada por Anna Pavignano, Michael Radford, Furio Scarpelli, Giacomo Scarpelli y Massimo Troisi de la novela Ardiente Paciencia de Antonio Skármeta. Troisi ya había adaptado la novela para la pantalla en 1983. La novela y la película están inspiradas en Chile con Neruda viviendo en la Isla Negra alrededor de 1970. Sin embargo Il Postino traslada la localización a Italia en los años 1950.
La música original de la película fue compuesta por Luis Enríquez Bacalov, quien ganó un Premio Oscar a la mejor banda sonora. La película también obtuvo la nominación al mejor actor (Massimo Troisi), mejor director, mejor película y mejor guión adaptado.
El escritor y protagonista Massimo Troisi pospuso una cirugía cardíaca para poder terminar la filmación. El día después de que la misma fuera terminada, sufrió un ataque cardíaco que resultó fatal.
Por razones políticas el poeta Pablo Neruda (Philippe Noiret) se exilia en una isla en Italia. Un cartero (Massimo Troisi) casi analfabeto es contratado por el poeta como cartero extra, encargado de cuidar la correspondencia del mismo y entregársela diariamente. Gradualmente entre los dos se va formando una sólida amistad. El cartero, Mario, rápidamente aprende a escribir sus sentimientos por Beatrice (Maria Grazia Cucinotta). Neruda más tarde retornaría a Chile, dejando, sin embargo, una profunda huella en el cartero, una huella que cambiará su vida.

Malena

Dirección: Giuseppe Tornatore.
Paises: Italia/USA.
Año: 2000.
Duración: 105 min.
Interpretación: Monica Bellucci (Malena Scordia), Giuseppe Sulfaro (Renato Amoroso), Luciano Federico (padre de Renato), Matilde Piana (madre de Renato), Pietro Notarianni (profesor Bonsignore), Gaetano Aronica (Nino Scordia), Gilberto Idonea (abogado Centorbi), Angel Pellegrino (secretario político), Gabriella Di Luzio (amante del barón).
Guión: Giuseppe Tornatore; basado en una historia de Luciano Vincenzoni.
Producción: Harvey Weinstein y Carlo Bernasconi.
Música: Ennio Morricone.
Fotografía: Lajos Koltai.
Montaje: Massimo Quaglia.
Diseño de producción: Francesco Frigeri.
Vestuario: Maurizio Millenotti.
Decorados: Bruno Cesari.
Dirección de producción: Marco Olivieri.

NOTAS DE PRODUCCIÓN

Aunque escrita e interpretada en italiano, la lengua materna de Giuseppe Tornatore, se realizó un esfuerzo adicional para poder transmitir toda la esencia de Malena al público americano realizando una traducción especial de los subtítulos, con la ayuda de dos artistas muy versados en la interpretación artística y en las sensibilidades cinematográficas americanas: el guionista y director Anthony Minghella (El paciente inglés, El talento de Mr. Ripley) y el guionista Joseph Tropiano (Big Night). Siguiendo una magnífica tradición (la traducción de Anthony Burgess de Cyrano De Bergerac y la de Paul Mazursky para Fellini) de hacer llegar las películas en lenguas extranjeras a unas audiencias más amplias, su trabajo ha añadido una capa extra de poesía a una película ya de por si bella.

"Fue un verdadero privilegio trabajar con un director tan eminente como Anthony Minghella, y un guionista como Joe Tropiano en esta tarea vital para la película," dice Tornatore. "Hoy en día, los subtítulos sólo se miran con ojos técnicos, y me complace tener la oportunidad de trabajar con unos artistas tan grandes y poder hacer llegar todo el humor y las sutilezas de Malena a público de todo el mundo."

Malena, empezó a tomar forma en la mente de Giuseppe Tornatore poco después de que finalizara Cinema Paradiso (Cinema Paradiso), su oda al hecho de criarse con el cine, que le llevó a ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera. Encontró la evocativa historia de Malena y Renato en un relato corto escrito por el veterano guionista Luciano Vincenzoni, que ha escrito más de 100 filmes, incluyendo varios clásicos de Sergio Leone. Vincenzoni había fraguado la historia tipo fábula de Malena a partir de sus propios recuerdos de una mujer que alteró totalmente su pequeño pueblo italiano durante la Segunda Guerra Mundial, una mujer cuyos devastadores encantos y efectos nunca podría olvidar.

fuente:http://www.labutaca.net/51berlinale/malena.htm

la gloire de mon pere, recuerdos de infancia

La Gloire de mon pere se proyecto ayer en el cine club de la alianza francesa dentro del ciclo dedicado a escritores franceses.

La historia trata principalmente de las vacaciones de un niño con su familia a principios del siglo pasado en la provincia francesa, una familia de clase media que se va de vacaciones a una casa de campo, es un película sencilla sin situaciones complejas, cuenta pasajes de la historia de una familia y como se fue conformando.

El director invita al espectador a sumergirse en las aguas tranquilas y alegres de la infancia, a recordar los detalles de nuestra infancia nos plantea la visión de un niño como todos alguna vez lo hemos sido y las pequeñas, grandes aventuras y diversiones.

Intentar escribir sobre esta película me lleva a recordar mi vacaciones de la infancia cuando regresaba a Guadalajara durante los meses de julio y agosto a encontrarme con mis tíos: Joaquín y Gustavo, mis tías: Maricruz, Aurora y Gina, Mi abuelita y sus lonches de frijoles riquísimos, con el conejo que estaba en la azotea de la casa y que cada mañana le traían del mercado un manojo de alfalfa que lo devoraba en pocos minutos: el conejo llego a casa de mi abuelita importado del DF en unas vacaciones que regresamos mi hermano y yo, el se lo trajo a mi abuelita por que en México no lo podíamos tener se lo había regalado el conserje de la escuela y para él era como un hijo

Recuerdo del árbol gigantesco que estaba en la banqueta de la casa, era tan grande que se necesitaban de por lo menos cuatro personas para abrazarlo, recuerdo que desde lejos se veía la copa del árbol era el más alto de toda la Colonia Moderna, un eucalipto gigantesco de por lo menos 70 metros de altura al que todo mundo temía que un día en las tormentas del verano lo verían caer aplastando varios autos muchos querían derribarlo por peligroso pero mi abuelita nunca dio permiso el árbol estaba muy cerca del viejo pozo de agua de la casa creo que nunca le falto agua.

Recordé como en el verano de 78 organizamos un torneo de fútbol en la calles de la colonia, con el pretexto del mundial que en esos años se celebro en Argentina; las calles de mi colonia tenían los nombres de diferentes países de esa manera se organizaron las selecciones de España, Suiza, Argentina, Polonia, Alemania, Bélgica y Rayón nombre de una calle que atravesaba la colonia y en la que vivían mucho niños adolecentes; en esos días de verano, de vacaciones largas como le llamábamos a la temporada, de tormentas en las tardes con árboles caídos y calles inundadas conocí algunos de mis mejores amigos de la infancia y de los cuales sigo conservando la amistad

Todo esto y un poco mas son los recuerdos que me provoco la gloire de mon pere película sencilla de rara belleza.

enlace pelicula :www.imdb.com

Ni uno menos....mundos paralelos

NI UNO MENOS (Yi Ge Dou Bu Neng Shao) China, 1999

Dirigida por Zhang Yimou, con Minzhi Wei, Huike Zang, Zhenda Tian, Fanfan Li, Yuying Feng, Enman Gao.

Zhang Yimou sabe filmar muy bien, es talentoso, y en Ni uno menos eso se nota. Lo que también se nota es la tendencia de este director a hacer cada vez más cosas a la manera del show business occidental. Que es la manera de la casta gobernante en China, o cuanto menos empalma perfectamente con sus conveniencias. Las concesiones de Ni uno menos no son muchas, pero sí groseras, y le bajan el promedio a una –por lo demás– muy buena película.

Muy buena es, por ejemplo, la pintura de esa escuelita rural con una sola aula, y cuyo presupuesto alcanza apenas para una tiza diaria. Esa escuela es virtualmente fronteriza, no porque limite con otro país sino con otro lugar –parece erigida literalmente "en el medio de la nada"– y con otro tiempo, un pasado con el que solemos asociar ciertas privaciones presuntamente superadas por el mundo en el que nos tocó nacer. Ni uno menos nos recuerda que no; nos muestra la otra cara (una de las otras caras) del "milagro chino" del que básicamente conocemos tijeritas, encendedores, fundas para controles remoto y alguna motoneta. En este sentido, Ni uno menos tiene un valor histórico-didáctico, pero no se limita a él. El manejo diestro de la puesta en escena, la cámara y los tiempos le permite a Yimou (Ju Dou, Sorgo rojo) ponernos poderosamente en situación. En otras palabras, estamos ahí. ¿Pero qué pasa ahí?

Pasa que el maestro titular se fue de viaje y una muchachita de 13 años viene a hacerse cargo de las clases. La formación de la pequeña reemplazante es nula; sus aptitudes académicas, inexistentes. Minzhi Wei es lo que hay. Lo suyo son las ganas, el empuje y, sobre todo, una necesidad tan acuciante como la de todas esas almas que la rodean. Le han prometido 50 yuans si, al regresar el titular, le devuelve el aula con la misma cantidad de alumnos que recibió ("ni uno menos", por supuesto, es la frase textual que le dice al irse). Y Wei hará todo lo posible, aunque ello implique emprender su propio viaje a la ciudad para recuperar a un niño que desertó buscando allí, en la gigantesca urbe, el pan que a su familia de provincias le escasea.

Si el grupito de educandos es mayormente irresistible, esta maestrita que apenas los dobla en edad es quien se lleva todas las palmas. Minzhi Wei (que no es actriz profesional, y lo mismo sucede con casi todos los otros) cumple de maravillas con la doble tarea que le tocó en suerte: reflejar el desamparo y la debilidad de una niña que se asoma a una tarea para la que nadie la preparó y, al mismo tiempo, la fortaleza –esencialmente de carácter– que la empuja a seguir adelante contra viento y marea. Eso emociona. El pequeño desertor también tiene lo suyo, aunque no pasa tanto por su actuación como por su función. Al principio, Zang es tan inmanejable y revoltoso que no sólo se gana el odio de la maestra sino el del público, ya plenamente identificado con ella. Una vez en la ciudad, cuando deambula como un zombie con las manos vacías y la cara sucia, más solo que un perro, la "carga de la prueba" se invierte y no podemos menos que vagar con él, sufrir por él, palpitar a su lado. Para entonces, Wei ya habrá puesto los pies en esa misma urbe, dispuesta a patear todas las calles y a tocar todas las puertas (hace gala de una tozudez poco vista en el mundo y en el cine) hasta dar con el pequeño.

Para costearse el pasaje de ida y vuelta a la ciudad, la maestra y sus alumnos se ponen a apilar ladrillos en una fábrica vecina. Cuando sacan cuentas surge un dato de la "China comunista" que hubiera espantado al mismísimo Carlos Marx: un viaje en ómnibus de unas pocas horas cuesta tanto como... ¡cuatro jornadas de trabajo de veinte obreros! Por lo demás, el retrato de la metrópolis es casi tan realista como el del pueblito y, de suyo, bastante más sórdido. Todo está bastante bien. Tanto que si Ni uno menos se hubiera ahorrado los últimos quince o veinte minutos sería un film calurosamente recomendable. Pero qué va. En esos minutos se gesta uno de los más forzados happy endings de la historia reciente. Que no sólo le lava la cara a esta China descaradamente capitalista (por no decir esclavista) sino a una de las instituciones más hipócritamente comprometidas con el estado de las cosas: la televisión oficial. De paso, claro, Yimou queda muy bien parado ante Hollywood, que siempre entendió que el mundo está lo suficientemente bien como para que ninguna película termine demasiado mal.

Guillermo Ravaschino
Via: www.cineismo.com
sitio oficial www.sonypictures.com/classics/notoneless/

La duda, excelente pelicula

La duda - Crítica por Carlos Giacomelli

Mié, 02/04/2009 - 19:59 — Carlos Giacomelli

Dieciocho años después de su última (y primera) película como director, "Joe Contra el Volcán", John Patrick Shanley adapta su propia obra valedora de un Pulitzer y un Toni, "La Duda", que cuenta con con sendas nominaciones tanto para su guión como para la práctica totalidad de su reparto, encabezado por Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman y Amy Adams.

El padre Flynn está tratando de cambiar las estrictas normas del colegio de la parroquia de San Nicolás, que durante años han sido fieramente salvaguardadas por la hermana Aloysius Beauvier, una directora con mano de hierro que cree firmemente en el poder de la disciplina.
Vientos de cambio político están barriendo la comunidad, y de hecho el colegio ha aceptado a su primer alumno negro, Donald Miller. Pero cuando la hermana James, una inocente profesora, le comenta a la hermana Aloysius sus sospechas acerca de la "excesiva atención" del padre Flynn hacia Donald, la superiora comienza una cruzada personal para sacar a la luz la verdad... Sin una sola prueba aparte de su convicción moral.

La traslación a la gran pantalla de una obra teatral nunca deja de resultar interesante. Acostumbrados a artificios propios del cine (y en especial del comercial norteamericano, que puebla como mínimo el 90% de carteleras semana tras semana), de vez en cuando nunca está de más que despunte una cinta basada (casi) únicamente en el guión y la interpretación.

Si hay una cinta que resulte especialmente significativa en este aspecto, esa es "La Duda", en la que tales características adoptan su máxima expresión de manera aplastante, hasta el punto de estar dividida en cinco o seis actos a lo sumo (obviando secuencias de unión entre uno y otro), en los que la acción no sale nunca de las cuatro paredes en que se ubica.

Queda claro por tanto, que lo único que importa a director y espectador es la recitación de sus actores, y no por nada "La Duda" cuenta con dos de los mejores del momento, en estado de gracia por si fuera poco.
Tanto Philip Seymour Hoffman como Meryl Streep, y todos los que les rodean (con especial hincapié a una sorprendente Amy Adams a quien habrá que seguir más de cerca) se enfrascan en sus complicados roles de manera natural y realista, convirtiendo todos y cada uno de sus diálogos en auténticas obras de arte de la actuación. Véase como ejemplo la (larguísima) secuencia en la que se reúnen los tres principales en el despacho de la directora, con constantes cambios de matices y tonos que van asumiendo por turnos de manera totalmente sobrecogedora, como si sólo ellos podían haber tomado parte en esta película.

Película que, por cierto, se antoja sumamente complicada de digerir debido a su argumento y su postura. Ambientada al poco tiempo del fallecimiento de JFK, "La Duda" propone un enfrentamiento entre dos posturas (una conformista y otra más abierta de horizontes) de la Iglesia, criticando una de las dos en particular (que no diremos para no desvelar el final del film) pero sin olvidarse de lanzar algún puñalada a la otra. Y aunque pudiera parecer una trama completamente ajena para el espectador ateo, lo cierto es que sirviéndose de la fe cristiana Shanley aprovecha para retratar a la sociedad (de antes y de ahora) y su comportamiento ante cambios inevitables y de difícil aceptación.

Con todo, cabe resaltar en el debe de la película una excesiva apatía general más allá de su reparto, que si bien buscada, no deja de suponer un duro bache para el espectador al flirtear con el tedio en más de una ocasión. Hasta la música (de Howard Shore) se limita a apariciones meramente testimoniales, aupando la sensación de lentitud y pesadumbre en ocasiones excesiva hasta para el más voluntarioso.

Sin ser, por tanto, una película redonda, "La Duda" es ante todo una gran muestra de lo que puede dar de sí una Buena Actuación (en mayúsculas), pues todos sus actores, niños incluidos, están simplemente perfectos.
Sin embargo, su difícil ritmo y estructura completamente alejada de los cánones cinematográficos la convierten en una cinta difícilmente aconsejable, válida sólo para los que acepten sus condiciones de antemano. De ser así, no cabe duda de que se disfrutará enteramente, pero no está de más plantearse hasta qué punto tienen razón de ser (comercialmente hablando) tales mixturas entre cine y teatro, géneros de tan natural fusión a priori como quizás irreconciliables en algunos casos.

Carlos Giacomelli - La casa de los horrores

SÓLO UN SUEÑO (REVOLUTIONARY ROAD)

SÓLO UN SUEÑO (REVOLUTIONARY ROAD)

Luis García Orso

Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, la pareja idealizada en la empalagosa y triunfadora historia del Titanic, vuelve a reunirse once años después, ahora como un matrimonio común norteamericano de 1955 que pretende sacar adelante sus ilusiones y sólo conseguirá exhibir sus más amargas frustraciones y sucumbir a otro naufragio, mucho más real y sin la menor pizca de sensiblería tramposa. Sólo la frustración que genera una sociedad –y así toda familia y toda persona- cimentada en el egoísmo y en la vacuidad.

Frank y April Wheeler se conocen poco después de terminar la Segunda Guerra Mundial, se enamoran a la primera y se casan. Guapos, jóvenes y con talento, se diría que componen el matrimonio perfecto. Son “gente especial” que se merece una linda casa en Revolutionary Road, no en las calles para gente común y corriente. Pero diez años después, y a pesar de que tienen dos hijos preciosos, su relación se ha anquilosado y se viene abajo. Ella ha conocido el fracaso de su carrera como actriz, y quedarse sólo en el hogar no la hace feliz; él tiene un trabajo gris de oficinista en el piso 15, con pocos alicientes, imitación de los veinte años que su padre trabajó en la misma empresa. La felicidad perfecta que debía embargarles, el sueño americano hecho realidad, no existe. ¿Qué hacer para volver a ilusionarse?

Adaptación de la novela homónima de Richard Yates, profesor universitario y guionista en Hollywood en los 60, Revolutionary Road se trató de filmar en aquella época y nadie se atrevió a producirla: les confrontaba y agredía demasiado. Se trata de una crónica del desamor, una mirada tremendamente pesimista a los Estados Unidos de los años 50 – pero que sigue tan actual- donde tras la fachada de una vida ideal se ocultan la frustración, el vacío, la desesperación paralizante. Historia desoladora en que unos personajes ahogados en la rutina y en su egoísmo no saben amar ni evolucionar hacia ninguna parte, como reflejo y protagonistas de una sociedad occidental enferma, que seduce con el engaño de la comodidad y la prosperidad, y deja en la infelicidad y en un “vacío desesperanzado”. Paradójicamente, un joven enfermo mental se convierte en el profeta que de pronto aparece para sacar a luz la verdad de lo que se vive.

Sam Mendes toma un guión perfecto y dirige con maestría una tragedia sin dejar espacio a la catarsis y a la complacencia, dejando que los personajes evolucionen desde su realidad y con todas sus amargas consecuencias. La temática nos conecta con la mejor tradición dramática de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Mike Nichols, 1966), Gente como uno (Ordinary People, Robert Redford, 1980), y Belleza Americana (Sam Mendes, 1999). Leonardo DiCaprio y Kate Winslet dan su mejor actuación hasta ahora, y la narrativa luce además con una acertada iluminación de colores pastel deslavados y con la sobria música de Newman.

En el espléndido final de la historia, cuando nuevamente la simbólica mujer vendedora de apariencias dice que ha encontrado al mejor matrimonio de “gente bonita y triunfadora” para habitar una casa en Revolutionary Road, ya sabemos –tristemente- que es tiempo de apagar el sonido y dejar que la mujer siga hablando sola. Al cabo, todo es sólo un sueño… tan amargo como mentiroso.

Luis García Orso
México, Febrero16 de 2009

Les Femmes de l'ombre

Ayer en la Alianza se proyectó una película de reciente producción Francesa, de tipo dramático, buen filme en mi opinión, trata de un grupo de mujeres que son organizadas para rescatar a un geologo que fue capturado por los alemanes en la zona de Nombardia; muchos muertos, explosiones y acción, mujeres de diferentes orígenes parece mas cine norteamericano.

SINOPSIS

Mayo de 1944, un grupo de mujeres y luchadores de la resistencia se enrolaron en un grupo de operaciones del ejército inglés bajo el mando de Louise Desfontaine (Sophie Marceau) y su hermano Pierre (Julien Boisselier). Su misión: rescatar a un geólogo militar inglés capturado mientras hacía un reconocimiento de las playas de Normandía y matar a un coronel alemán de las SS que está a punto de descubrir el inminente secreto del Día D. pagina oficial http://www.tfmdistribution.fr/lesfemmesdelombre/

Seda libro y pelicula

A principios de este año cayo en mi colección esta película que invitaba a verse por la sinopsis y especialmente por los lugares en donde se fue filmada.

Así en aquellos meses la vi, la disfrute y la preste; No se donde esta actualmente, me gusto, pero no para conservarla como una joya y guardarla para mi solamente.

Este mes llego a mis manos el libro del que se desprende la película, investigando para publicarla en este espacio encontré información muy interesante en cuanto al éxito de la obra literaria, fue verdadero bestseller en Europa, tan solo en la presentación de la editorial Anagrama van por la trigésima edición en el año 2004 y parece que en números que por la web pude encontrar tan solo en Francia hacia el año 1998 llevaba vendidos 200 mil ejemplares

En mi opinión la novela es desde luego superior a la película sin embargo la película tiene una fotografía estupenda ambas son altamente recomendables.

En una extensa entrevista al autor revela los siguientes detalles


Pregunta.- Seda ha estado durante más de 30 semanas en la lista de los 10 libros más vendidos en España, donde se han vendido unos 60.000 ejemplares. En Italia logró cifras altísimas y en Francia se vendieron 200.000 ejemplares. ¿Cómo explica el éxito del libro en tantos países, tan distintos además por sensibilidad e intereses?
Respuesta.- Son distintos, pero en definitiva son países europeos. Y Seda es una historia antes de ser un libro. Es, sobre todo, una historia. Y a las historias les resbalan las fronteras.

P.- Seda fue presentado en Italia hace unos años en un teatro de la capital, donde una actriz leyó en voz alta el texto desde la primera hasta la última página. ¿Por qué se le ocurrió dar a conocer el libro de ese modo?
R.- Porque me aburren demasiado las presentaciones tradicionales. Y se aburren bastante también los demás.

P.- ¿Cómo nació Seda?
R.- Un día, un amigo mío me contó que un antepasado suyo tenía un oficio algo raro. Partía una vez al año, atravesaba el mundo, meses después llegaba a Japón, compraba huevos de gusanos de seda y, luego, regresaba a Italia y los vendía. El resto del año descansaba. Estábamos esquiando cuando me contó esta historia. Me detuve, me quité los esquíes y empecé a pensar y a darle vueltas, y no dejé de hacerlo hasta que no escribí la última página.



P.- La novela cuenta una historia de sentimientos, pero casi sin hablar de ellos, sin describirlos. ¿Fue difícil?
R.- Fue un desafío. Quería contar esta historia contando los gestos y no los pensamientos. Sólo gestos. Me parecía el único modo posible de contar una historia como ésta. Fue difícil imaginar un libro de este tipo y decidir hacerlo. Después, escribirlo fue difícil, como siempre es difícil escribir, ni más ni menos.

P.- Seda está ambientada en 1861, Oceano Mare en un momento sin precisar "hace muchos años", Novecento a principios de siglo. ¿No le interesa contar historias actuales?
R.- Yo cuento historias de hoy. Es una ilusión óptica la que hace que parezcan ambientadas en otras épocas.

P.- ¿Qué autores le han influido más?
R.- Sin un orden preciso, Céline, Salinger, McEnroe, Stanley Kubrick, Walt Disney, Liberatore...

P.- Usted ha creado en Turín una escuela para enseñar a escribir.¿Cree que no se nace escritor, sino que se hace?
R.- Se trata de una escuela que enseña a narrar y no sólo a escribir. También hacemos cine, teatro, publicidad, periodismo, y todo lo que es narración. Creo que se puede dar a los chicos una formación particular que los haga capaces de narrar con mayor conciencia y un patrimonio de referencias muy rico. Creo que esto se puede hacer. Y hacerlos salir de su soledad, obligarlos a entender si tienen talento o no. Son cosas que sólo una escuela puede hacer.

la entrevista completa aqui

Ana Belen-- La Pasion Turca

Título: 'La pasión turca'
Año: 1994
Director: Vicente Aranda
Reparto: Ana Belén, George Corraface, Loles León y Silvia Munt, entre muchos otros.
Adapt: Novela de Antonio Gala

Ayer en la TVE televisión española por cabe transmitieron esta película de tipo Drama Amor y humillación. erótico; un filme realizado en Estambul que narra el caso de una mujer que se obsesiona por un hombre y se deja llevar por la pasión.

Ella tiene todo lo que muchas mujeres desearían un matrimonio perfecto un hombre que la ama un nivel de vida desahogado sin embargo la pasión la hace dar un giro a su vida

la fotografía es muy buena la imágenes en Estambul son estupendas la música en fin muy buena película y muy gráfica escenas fuertes algunos críticos la consideran imprescindible


Aqui el trailer:

Secuencia divertida y triste al mismo tiempo de esta película, sin duda uno de los mayores éxitos cinematográficos de la carrera de Ana Belén y su interpretación en el cine más conocida y popular entre el público.

Fue una película muy controvertida y alcanzó una gran fama, que la convirtió en una de las producciones más taquilleras del cine realizado en España.

En esta escena, Desideria, el personaje de Ana Belén, algo perjudicada por el alcohol, se encuentra en un restaurante con su amante turco Yamam y canta fragmentos de canciones. En primer lugar la popular copla 'El beso' y después un trocito de una jotica aragonesa

Los Coristas joya de cine frances

País: Francia, Suiza, Alemania
Año: 2004
Título internacional: Les choristes, The chorus
Guión: Christophe Barratier, Philippe Lopes-Curval
Dirección: Christophe Barratier
Actores: Gérard Jugnot, François Berléand, Kad Merad, Jean-Paul Bonnaire, Marie Bunel, Jacques Perrin, Didier Flamand, Paul Chariéras, Philippe Du Janerand, Jean-Baptiste Maunier, Maxence Perrin, Thomas Blumenthal, Cyril Bernicot

Todo comienza con un flashback: dos amigos de la infancia se reencuentran después de años. Uno de ellos le muestra al otro el diario escrito en 1949 por un tal Mathieu, preceptor de la escuela a la que iban cuando pequeños. Y es, justamente, la voz de aquel preceptor el hilo conductor de la trama.

Nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera (premio que finalmente se llevó Mar Adentro) y por Mejor Canción Original, por Look to your path (Vois sour Ton Chemin), el filme narra una atemporal historia de la infancia.

Los Coristas está basada en un hecho real ocurrido inmediatamente después de la II Guerra Mundial, en que un maestro se empeña en crear un coro en un internado para niños abandonados o con problemas de conducta. Y debe lidiar con 65 niños, de entre 8 y 13 años, entre la desesperación y el esfuerzo sincero. Los tiernos secretos y las situaciones cómicas le suceden a este grupo de niños con mala fama e indisciplinados, que luchan por salir adelante en un mundo autoritario de reglas, transgresiones y castigos.

El desarrollo del filme es muy fluido, con convicción y muchísima emotividad; la fotografía es buenísima y la banda sonora increíble. Eso sí: en las actuaciones se lucen mucho más los niños que los adultos. Se equilibran momentos dramáticos con situaciones de comedia, y los extremos en los que se mueve el conflicto se llevan el mayor peso del filme.

Según los entendidos, esta película se aleja totalmente del tono pretencioso que caracteriza a un buen número de producciones francesas, conservando así la sencillez argumental, que se mezcla con una profunda descripción de los personajes.

Escapando de la cruda realidad

El relato transcurre casi por completo en el interior de la escuela, excepto las breves escenas en las que medio siglo después, dos de esos chicos del coro leen las memorias del maestro.

Y a pesar de que no se traspasan las paredes del internado, el filme logra ubicar con gran precisión el contexto social de la escasez y las penurias económicas de la guerra (1949).

Clément Mathieu (Gérard Jugnot) es un profesor de música desempleado, que ha sido contratado como preceptor vigilante en un instituto correccional de menores, donde a través de ineficaces y represivas políticas, su director Rachin (Francois Berléand) intenta con dificultad mantener disciplinados a estos "alumnos problema".

A Mathieu lo sorprende la cruda realidad de la rutina del colegio, y los métodos utilizados por el director en su intento de imponer disciplina, a su vez que esto despierta en él mucho desconcierto y compasión por los chicos.

¿Qué ve cuando llega?... un niño esclavizado limpiando el piso, al portero que se corta la cara con un vidrio por una trampa que la ha hecho uno de los alumnos, y al director imponiendo un castigo cruel a un niño elegido al azar porque nadie ha confesado su culpabilidad.

Ante la situación, comienza a planear un cambio para "rescatar" a los niños, y descubre que la música atrae poderosamente el interés de los alumnos, por lo cual se entrega a la tarea de familiarizarlos con el canto.

Logra formar con ellos un coro y, gracias al poder y la magia de la música, el maestro consigue que sus vidas cambien para siempre. Descubre al talento en bruto, también indisciplinado; al niño tímido del cual los compañeros se aprovechan, y al portero bonachón que se une a la causa del protagonista.

En busca de la música

Bruno Coulais fue el encargado de toda la música de Los Coristas. Y, junto al director Christhophe Barratier, recorrió Francia en busca de un coro de niños que pudiera hacer la banda sonora de la película. Al llegar a Lyon, se dirigidieron a la Catedral de Fourriere, para visitar a los pequeños cantores de San Marcos. Fue entonces, cuando subían las escaleras, cuando escucharon una voz sobrecogedora de un pequeño de 12 años: era Jean Baptiste Maunier, quien finalmente estuvo a cargo del papel de Phillipe Morhange.

El coro de San Marcos fue el encargado de vocalizar todas las canciones que acompañan de la banda de la película.

via: www.lafamilia.cl

La Vida en Rosa, Edith Piaf

París es quizá el lugar que mas gente desea visitar, de París todos tenemos imágenes en nuestra mente, aquello que en PNL se le conoce como anclas, entre otras, visuales por ejemplo la Torre Eiffel o auditivas como la que da el titulo de esta película La Vida en Rosa, película de tipo biográfica que propone visualmente reconstruir la vida de esta pequeña gran mujer icono de la cultura francesa especialmente de la vida en París.

Nació en tiempos de la posguerra, creció en un mundo difícil, rodeada de prostitutas fue alejada de su madre, perdió temporalmente la vista y fue explotada por su padre en fin vivió realmente una vida ¡muy difícil! sin embargo, en su camino se cruzo con personajes que se dieron cuenta de su dones, mujer de gran fe devota de Santa Teresa de Lisieux fue verdaderamente una vida digna de llevar al cine.

Difícil tarea para un director, Olivier Dahan y quizá mas difícil para una actriz, Marion Cotillard, representar un papel tan cargado de nacionalismo y es que Edith Piaf es y fue algo así como una Torre Eiffel pero de carne y hueso, los franceses son muy orgullosos de su cultura y de su historia así como de su música y desde luego del cine; el filme se llevo el Oscar a la mejor actriz, cabe mencionar, fue también un éxito en taquilla en todo el mundo.

Ayer se proyecto en el cine club de la alianza francesa, sala casi llena, realmente estupenda película y con el sabor aunque de lejos de París




TÍTULO ORIGINAL: Edith Piaf
AÑO DE PRODUCCIÓN: 2007
NACIONALIDAD: Francia-República Checa-Reino Unido
DURACIÓN: 140 minutos
DIRECCIÓN: Olivier Dahan
GUIÓN: Olivier Dahan
PRODUCCIÓN: Marc Vade
MONTAJE: Richard Marizy
FOTOGRAFÍA: Tetsuo Nagata (a.f.c.) [c]
DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Olivier Raoux
MÚSICA: Christopher Gunning
DIRECCIÓN MUSICAL: Edouard Dubois
REPARTO: Edith Piaf (Marion Cotillard), Momone (Silvie Testud), Louis Barrier (Pascal Greggory), Titine (Enmanuelle Seigner), Marcel Cerdan (Jean-Pierre Martins), Louis Leplée (Gerard Depardieu).
FECHA DE ESTRENO EN ESPAÑA: Abril 2007

Aqui un video coparativo de la orginal y la de Marion Cotillard



Quiza una de las mas bellas interpretaciones en la pelicula es Non. Je Ne Regrette Rien , mas abajo la letra original y la traduccion que ¡estupenda por cierto!

Non, Je ne regrette rien
Edith Piaf (1915-1963)

Non, rien de rien
Non, je ne regrette rien
Ni le bien qu'on m'a fait, ni le mal
Tout ça m'est bien égal
Non, rien de rien
Non, je ne regrette rien
C'est payé, balayé, oublié
Je me fous du passé

Avec mes souvenirs
J'ai allumé le feu
Mes chagrins, mes plaisirs
Je n'ai plus besoin d'eux
Balayés mes amours
Avec leurs trémolos
Balayés pour toujours
Je repars à zéro

Non, rien de rien
Non, je ne regrette rien
Ni le bien qu'on m'a fait, ni le mal
Tout ça m'est bien égal
Non, rien de rien
Non, je ne regrette rien
Car ma vie
Car mes joies
Aujourd'hui
Ça commence avec toi...


No, nada de nada

No, no me arrepiento de nada
Ni el bien que me han hecho, ni el mal
Todo eso me da lo mismo
No, nada de nada
No, no me arrepiento de nada
Está pagado, barrido, olvidado
Me da lo mismo el pasado

Con mis recuerdos
Yo prendí el fuego
Mis tristezas, mis placeres
Ya no tengo necesidad de ellos
Barridos mis amores
con sus trémolos
barridos para siempre
Vuevo a partir de cero

No, nada de nada
No, no me arrepiento de nada
Ni el bien que me han hecho, ni el mal
Todo eso me da lo mismo
No, nada de nada
No, no me arrepiento de nada
Pues mi vida
mis alegrías
hoy
comienzan contigo...

Rojo como el cielo

En el cine del bosque se estreno esta muy buena película italiana de tipo biográfico, el filme nos cuenta la historia de un chico que por un accidente pierde la vista y desde luego su vida da un giro realmente inesperado, con imágenes urbanas de Italia de la región toscana nos recibe esta película y nos lleva a vivir de cerca la historia.

Buena película del genero de arte, una historia que se queda corta en la explotación de lo tragedia, por lo que se agradece, y nos presenta a un chico y la forma en que reconoce sus habilidades y con ellas salir adelante.

Me parece justamente la mejor parte de este filme; aun en los momentos mas difíciles siempre tenemos opciones; supongo que es terrible el perder la vista, historia basada en hechos reales.

En mi opinión es muy grato escuchar los diálogos en italiano



via pochoclos.com

Mirco Mencacci es, en la vida real, uno de los ingenieros de sonido más reconocidos de Italia pero es también, desde hace un tiempo, el eje central de un drama dirigido por Cristiano Bortone que se titula Rojo como el cielo (o El color de los sonidos, según el lugar de estreno).

Gracias a esta cinta que a partir de hoy se puede ver en México, los espectadores de todas partes del mundo podrán conocer el duro contexto a través del cual este joven, pese a las dificultades, llegó a destacarse dentro de la industria del sonido.

Rojo como el cielo

La historia se remonta a la infancia de Mirco, época en la que era un alegre y brillante niño de Toscana que se enloquecía por las películas. Por ese entonces, nadie sospechaba que un juego le cambiaría el destino para siempre, pero así fue cuando el viejo rifle con el que se entretenía Mirco se disparó de forma accidental y lo hirió en la cabeza.

Por fortuna, el niño logró sobrevivir, aunque tuvo como consecuencia una irremediable ceguera. Más allá del impacto causado por esta nueva condición, Mirco apostó a la vida y no se dejó vencer por las adversidades. Así fue que, en una oportunidad, decidió crear cuentos cortos valiéndose únicamente de una vieja grabadora y unas cintas usadas. Ése fue el principio de un descubrimiento que le permitió superarse a sí mismo y demostrar que, con coraje y fortaleza, es posible vencer todos los obstáculos que la vida nos presente.

Antes de que algún lector descarte esta propuesta por considerarla demasiado fuerte, sería conveniente que tuviera en cuenta la conclusión publicada por El Universal, donde se advierte que la cinta evita caer en el “melodrama gratuito” y, de esta forma, consigue convertirse en una alternativa “entretenida, emotiva y profundamente sensible”. Así se desprende también de IPC Digital, donde no sólo coinciden al resaltar el alto contenido emotivo del filme, sino que además destacan que, “a pesar de contar una historia dramática”, Rojo como el cielo no incluye “escenas patéticas”.

una pequeña muestra de una de las maravillosas escenas de este filme




Como resulta evidente, tras su paso por diversos países y festivales, la cinta protagonizada por Francesco Campobasso y Luca Capriotti llega a México respaldada por buenas críticas que no hacen más que confirmar que, esta vez, estamos frente a una película que no intenta conquistar al espectador mediante “golpes bajos” sino con una historia real que habla de la superación personal más allá de las dificultades.

TITULO ORIGINAL: Rosso come il Cielo
PAIS: Italia
DIRECCION: Cristiano Bortone
ACTORES: Francesco Campobasso, Luca Capriotti, Marco Cocci, Simone Colombari, Alessandro Fiori, Simone Gullì.
GENERO: Drama
ESTRENO: 17 de octubre de 2006 (Festival de Roma), 15 de agosto de 2008 (México)

Osama

A partir de la caída de las torres en nueva york en el 2001, el mundo dio un giro y aparecieron en la escena mundial muchos grupos y países que para mi antes no eran conocidos, empecé a escuchar hablar con mas frecuencia del los talibanes, de el mundo musulmán y desde luego de Osama Bin Laden.

Esta semana me toco ver un filme de manufactura afgana, filmado en la ciudad de Kabul, es cine que pocas veces se puede ver en las pantallas comerciales y que generalmente en los cine clubes se exhibe solo por un día. La película se llama Osama venia en un paquete de películas de esas de 4 películas por 100 pesos, originales con créditos y demás opciones en cada disco.

Se trata de una película quizá no muy buena para ver en estos días de crisis económica, que lo que a veces deseo, es ver más comedia o acción, para distraer mi mente del drama cotidiano para salir adelante en los negocios. Sin embargo fue la primera que elegí del paquete en que venía, me llamo la atención la portada y leí muy de carrera la sinopsis, solo me deje llevar por el impulso de prender la televisión y poner una película para antes de dormir.

Mi sorpresa fue creciendo a medida que la película avanzaba, simplemente no le puede oprimir a la pausa, la historia me envolvió, tenía ante mis ojos a los reyes magos como malandrines, convertidos en jinetes del apocalipsis, me di una idea del la forma en que viven las mujeres en los territorios dominados por los talibanes, es difícil creer o contemplar la pobreza de una comunidad que vive como se vivía en los tiempos Jesús, de la Biblia, entre la tierra y la pobreza, en el fanatismo religioso entendí que al menos el director nos presenta un mundo que parece de hace dos mil años y como recordatorio del tiempo en que vivimos inserta a un camarógrafo periodista que es testigo de lo que sucede en esa región del mundo, con la presencia de él y los dólares que le da a un niño, nos damos cuenta que es una película de tiempo presente, aunque las escenas, los lugares y los personajes se parece mucho a los de la Cristo.

Muchas películas las veo solo una vez y me conformo con eso, en esta ocasión no creo que vaya a suceder eso, la veré de nuevo en un par de días, es un filme muy interesante, fuerte, para volverse a ver y especialmente volver a leer los datos técnicos; fue filmada en el año 2003, los actores son gente común, la niña protagonista creo que era una niña de la calle, en fin se las recomiendo; más adelante la sinopsis oficial, la ficha técnica y el avance para cines cortesia de youtube, por ultimo, me di cuenta buscando en internet que la película fue muy premiada en varios festivales.

SINOPSIS

Una niña (Marina Golbahari) de doce años y su madre (Zubaida Sahar) se ven abocadas a la miseria cuando, con la llegada de los talibanes al poder en Afganistán, pierden su derecho a trabajar y la posibilidad de salir solas a la calle, dado que no tienen a ningún varón en la familia que vele por ellas. La madre y la abuela de la niña deciden entonces hacerla pasar por un chico, lo que llena de terror a la muchacha, angustia-da por lo que puede pasarle si se descubre su verdadera identidad. Cuando, en compañía de otros chicos, es llevada a la madrasta, escuela religiosa que además es un centro de formación militar de los talibanes, recibe la ayuda de Espandi (Arif Herati), un chico que sabe quién es realmente y que le da un nombre: Osama.

CÓMO SE HIZO "OSAMA"
Comentarios del director Siddiq Barmak
© 2003 Alta Films

El sonido de las sombras

"OSAMA es la amarga y trágica historia de nuestra vida, una época terrible, cuando nadie tenía derecho a tomar sus propias decisiones. OSAMA es la historia de los que perdieron su identidad bajo el nombre de Osama. Es una historia acerca de vivir asustado, en la que la gente tiene miedo incluso de los sonidos de las sombras. Es una historia acerca de la interminable historia de mujeres en la cárcel; y además es una historia cerca de una niña y toda la injusticia y sinsentido religioso que lleva sobre sus espaldas”.

Experiencias reales

“A las dos semanas de que los talibanes se hicieran con el control de la ciudad de Kabul, me vi obligado a escapar de la ciudad hacia el norte, a la zona de Shamali Plan, y a los dos años y medio tuve que emigrar a Pakistán”.

“Cuando vivía en Pakistán, intenté hacer un cortometraje de ficción. Estuve tratando de encontrar algunos temas y personajes especiales en diversas organizaciones afganas como minusválidos, niños de la calle y periódicos afganos en Peshawar. Por casualidad, leí la carta de un viejo profesor afgano que contaba la historia de una niña que deseaba ardientemente ir a la escuela durante el régimen talibán, lo que estaba prohibido para las chicas. Así que ella cambió su aspecto para parecer un chico cortándose el pelo y vistiendo ropas de varón. Naturalmente, ésta fue la historia que a mis amigos y a mí nos impresionó”.

Estilo poético

“Uno de mis sueños era ser proyeccionista. Soñaba con encontrar algo en ese oscuro lugar donde sólo hay una línea de luz que va hacia la pantalla blanca, y ahora creo que esta línea de luz puede ser desplazada hacia las mentes de la gente y hacerlas brillar, especialmente en nuestro país”.

“Mi mundo es un poema sobre el amor, que se encuentra incluso entre las guerras, el humo y el polvo. Me encantan las películas con estilo poético. En este caso, puedo decir que me han influido Andrei Tarkovski, el estilo del cine georgiano de directores como Tengis Abuladze, y, naturalmente, muy cercanos a nuestro lenguaje, directores iraníes como Mohsen Majmalbaf y Abbas Kiarostami. Todos estos maestros han influido considerablemente en mi forma de filmar”.

El cine afgano

“El pueblo afgano tiene muchas cosas que decir al mundo y en él hay muchos cineastas de talento. Para hacer realidad nuestros sueños de rodar tenemos una fuerte base cultural y literaria, pero necesitamos ayuda internacional y ya se están dando los primeros pasos para el desarrollo del cine afgano: soy muy optimista respecto a su futuro”.

Dirección y guión: Siddiq Barmak.
Países: Afganistán, Japón e Irlanda.
Año: 2003.
Duración: 83 min.
Interpretación: Marina Golbahari (Niña/Osama), Khwaja Nader (Mulá), Arif Herati (Espandi), Zubaida Sahar (La madre), Hamida Refah (La abuela), Gol Rahman Ghorbandi (Talibán).
Producción: Siddiq Barmak, Julia Fraser y Julie LeBrocquy.
Música: Mohamed Reza Darwishi.
Fotografía: Ebrahim Ghafuri.
Montaje: Siddiq Barmak.
Dirección artística: Akbar Meshkini.
Estreno en México: 2004