Esta noche se presenta de nuevo en el Teatro Diana de esta ciudad sin embargo lo mejor quiza del programa es que lo veré acompañado de mi hermano que desde siempre le ha gustado su musica y el mismo reconoce ser una de sus grandes influencias junto con otro grande de la musica argentina Charly Garcia por lo pronto ya tenemos los boletos y el animo para disfrutar de una noche de Rock argentino
Aqui una imagen de mi hermano con los boletos y un pequeño video de la presentacion de Fito en Baja California, video es de un aficionado, pero, contrario a lo que casi siempre sucede tiene muy buena calidad es cortito poco mas de tres minutos espero lo disfruten.
Esta semana se presento Bunbury en la arena VFG, como siempre el sonido en el lugar es una porquería sin embargo el concierto fue todo un éxito; canto sus grandes éxitos y piezas de su nuevo material un excelente concierto al que le hubiera caído bien un par de pantallas a los lados del escenario, creo que no hubiera aumentado mucho el costo de la producción y si lo habríamos disfrutado mas
Finalmente el concierto fue muy bueno, su música prende; Bien por Guadalajara que llena los escenarios, dos visitas de Bunbury en menos de seis meses demuestran que Guadalajara es una plaza muy rentable.
El 11 de agosto de 1967 nacía en Zaragoza Enrique Ortiz de Landazuri. Enrique vino al mundo en una familia de la burguesía zaragozana y muy pronto mostró sus inquietudes musicales.
Sobre el origen de Bunbury, su nombre artístico, hay dos versiones. La primera, y probablemente la que responda a la realidad, dice que Enrique cogió su apodo de una cita literaria de Oscar Wilde. La otra versión es mucho más rocambolesca y asegura que nuestro protagonista tenía una compañera de colegio que se apellidaba Bunbury y a la que se parecía muchísimo; ese parecido fue el que llevó a sus amigos a llamarle Bunbury.
Con tan solo 14 años ya frecuentaba los ambientes musicales de la capital aragonesa y en 1981 debutó sobre las tablas de un escenario con Apocalipsis. Un año más tarde, en 1982, se enroló en un pequeño grupo estudiantil llamado Rebel Walt tocando la batería. Tras abandonar esta banda pasó a formar parte de Proceso Entrópico con el que se presentó al festival de rock que organizó el Ayuntamiento de Zaragoza.
En 1984 Enrique comienza una nueva aventura en Zumo de Vidrio, el grupo de Juan Valdivia y su hermano, y deja el bajo para dedicarse a la voz. En 1985 Zumo de Vidrio pasa a mejor vida y se forma Héroes del Silencio. Además debido a su amistad con Santi Rex, Enrique pasa a formar parte de Niños de Brasil grupo al que arrastra a otros componentes de Héroes. Pero esta situación dura poco tiempo y Enrique deja el grupo de Santi Rex para dedicarse en exclusiva a Héroes.
El trabajo bien hecho comienza a dar sus frutos y tras su primer trabajo, El Mar que no cesa uno de los mejores discos debut de la música española, Héroes se ve inmerso en el huracán de la fama y el éxito. Muy pronto se convierten en un grupo de culto y comienzan a tener repercusión incluso fuera de nuestras fronteras. Tras una carrera discográfica en la que se encuentran algunas joyas como Maldito Duende, Avalancha, La chispa adecuada, el grupo decide poner el punto y final y Enrique comienza su etapa en solitario.
El primero de sus discos como Bunbury fue Radical Sonora en el que Enrique comienza la investigación por la música árabe y electrónica. Con su segundo disco, Pequeño, Bunbury se centra en la sencillez y las letras simples y sin complicaciones. Con él logra el disco de platino al vender más de 100.000 copias. Tras este éxito publica Pequeño cabaret ambulante, un directo en el que Enrique muestra toda su fuerza en vivo.
2002 es el año de Flamingo's, que como él mismo ha dicho en más de una ocasión es un disco de canciones. Enrique siempre se ha mostrado un artista muy comprometido y la última guerra en la que se ha involucrado es la lucha contra la piratería.
Finaliza el 2003 con un nuevo proyecto musical, Bushido, grupo formado junto a Shuarma (Elefantes), Carlos Ann y Morti (El Fantástico Hombre Bala), cuyo disco homónimo sale en 2004.
2004 también es el año de un nuevo disco en solitario El viaje a ninguna parte.
Un hombre se paró en una estación del metro en Washington y comenzó a tocar el violín, en una fría mañana de enero.. Durante los siguientes 45 minutos, interpretó seis obras de Bach. Durante el mismo tiempo, se calcula que pasaron por esa estación algo más de mil personas, casi todas camino a sus trabajos.
Transcurrieron tres minutos hasta que alguien se detuvo ante el músico. Un hombre de mediana edad alteró por un segundo su paso y advirtió que había una persona tocando música.
Un minuto más tarde, el violinista recibió su primera donación: una mujer arrojó un dólar en la lata y continuó su marcha. Algunos minutos más tarde, alguien se apoyó contra la pared a escuchar, pero enseguida miró su reloj y retomó su camino..
Quien más atención prestó fue un niño de 3 años. Su madre tiraba del brazo, apurada, pero el niño se plantó ante el músico, cuando su madre logró arrancarlo del lugar, el niño continuó volteando la cabeza para mirar al artista. Esto se repitió con otros niños. Todos los padres, sin excepción, los forzaron a seguir la marcha.
En los tres cuartos de hora que el músico tocó, sólo siete personas se detuvieron y otras veinte dieron dinero, sin interrumpir su camino. El violinista recaudó 32 dólares. Cuando terminó de tocar y se hizo silencio, nadie pareció advertirlo. No hubo aplausos, ni reconocimientos.
Nadie lo sabía, pero ese violinista era Joshua Bell, uno de los mejores músicos del mundo, tocando las obras más complejas que se escribieron alguna vez, en un violín tasado en 3.5 millones de dólares.
Dos días antes de su actuación en el metro, Bell colmó un teatro en Boston, con localidades que promediaban los 100 dólares.
Esta es una historia real. La actuación de Joshua Bell de incógnito en el metro fue organizada por el diario The Washington Post como parte de un experimento social sobre la percepción, el gusto y las prioridades de las personas.
La consigna era:
enun ambiente banal y a una hora inconveniente, ¿percibimos la belleza? ¿Nos detenemos a apreciarla? ¿Reconocemos el talento en un contexto inesperado?
Una de las conclusiones de esta experiencia, podría ser la siguiente:
Si no tenemos un instante para detenernos a escuchar a uno de los mejores músicos interpretar la mejor música escrita.
José Fors, resucita al monstruo creado por Mary Shelley en esta puesta en escena que pretende abarcar tanto la esencia de la novela original como algunas adaptaciones que ha sufrido en su paso por los numerosos filmes que la han mantenido viva.
En dos actos y treinta y cinco temas musicales incorpora a personajes como el de Igor (ayudante del Dr. Frankenstein) y prescinde de otros existentes en diversas versiones escénicas y cinematográficas. Escenografía y vestuario se presentan en un sincretismo que va desde el Expresionismo Alemán al Gótico actual, que el director pule y orienta hacia una estética moderna, minimal y sombría, recordando las cintas en blanco y negro que inmortalizaron al monstruo.
Con música, letra y dirección de José Fors (quien también interpreta al monstruo), escucharemos en la grabación de la banda sonora a personalidades como Ugo Rodríguez (Azul Violeta), interpretando a Víctor Frankenstein, y Ely Guerra como Elizabeth, su prometida. En su elaboración participaron tanto músicos de conservatorio como integrantes de destacados grupos del mundo del rock como Cuca, Forseps, Jaguares, Santa Sabina y Fobia, entre otros.
Éste es un espectáculo concebido y realizado en Guadalajara, México, con el apoyo en producción de La Dirección de Música de la Universidad de Guadalajara para todo el mundo de habla hispana.
El material doble CD llega a tiendas la primera semana de Diciembre 2008, se espera que en 2009 llegue a diferentes ciudades del pais la OPERA ROCK DR. FRANKENSTEIN presentada por José Fors.
Sherele es un cuarteto integrado por músicos de geografías y culturas diversas. La experiencia de vivir en el extranjero, de afrontar otras culturas y cuestionar y añorar la tierra propia sumado a la adquisición de formas musicales de distintos países, son elementos vivénciales y musicales que nutren su interpretación del género. El cuarteto Sherele toma temas del repertorio klezmer y los arregla incorporando elementos de jazz, rock, tango, folklore argentino y mexicano, a una interpretación cercana a la tradición.
Sherele, cuarteto que incursiona en el klezmer, presentará su primera grabación
El cuarteto se presentará el jueves en el foro Juan José Arreola Foto: HECTOR JESUS HERNANDEZ
El cuarteto Sherele presentará su primer disco Oy Mame Shein Pickles Chiles and Jrein en el que reúnen los temas más representativos del klezmer, género musical que el grupo ha difundido en la ciudad en los últimos tres años.
Después de numerosas presentaciones en foros importantes y festivales, los integrantes consideraron que era momento de concentrar en un disco la música tradicional de los judíos de Europa del este.
“El título del disco es una idea de la mezcla, de lo mexicano, lo judío, porque nosotros en el klezmer mezclamos estilos en nuestra interpretación del género. Son versiones que nosotros les ponemos nuestras propias cosas, lo fusionamos con jazz, folclor, rock”, dijo el baterista Diego Escobar.
Agregó que las canciones elegidas son las más representativas de distintos tipos de klezmer. “En este primer disco queríamos dar a conocer el género a través de canciones tradicionales e importantes. Una pieza original, compuesta por Nathalie Broux cumple una función importante porque muestra una parte del klezmer que no está representada en el resto de las canciones”.
Los miembros de Sherele coincidieron en que el disco fue posible por la gran aceptación del klezmer en Guadalajara. Esto se debe en parte a la alegría que transmite la música.
“El klezmer es una música muy viva, de mucha melancolía y tristeza pero también de mucha alegría. Habla de añorar pueblos y raíces y de no estar en el lugar que nacieron por toda la situación que todos sabemos. Nosotros hemos vivido en muchos lugares diferentes y sentimos todas esas cosas”, dijo el bajista Luis Eduardo Arreola.
Continuó: “la gente ha respondido muy bien, de repente nos hemos encontrado platicando con algunas personas que nos escuchan y nos abordan después de los conciertos. Cada vez la gente está más en la búsqueda de lo que los impacte más o los lleve a otros lugares donde no los ha llevado la música que escuchan normalmente”.
La clarinetista francesa Nathalie Broux opinó que “todavía hay mucha gente que no sabe lo que es, pero es una música con melodías tan fuertes, que a la gente le llega. La gente no tiene que tener una explicación de qué es, lo siente inmediatamente y nos sorprendió que en la Fiesta de la Música la gente empezó a bailar. Esto es lo más importante para nosotros”.
Los integrantes de Sherele son Diego Escobar en la batería, Nathalie Broux en el clarinete, Sibila Knobel en la guitarra, Luis Eduardo Arreola en el bajo. Para el primer disco el músico invitado es Gilberto Cervantes.
Oy Mame Shein Pickles Chiles and Jrein se presenta el jueves a las 21 horas en el foro Juan José Arreola del Museo de Arte de Zapopan (Andador 20 de Noviembre 166). La entrada es gratuita.
Espectáculo dirigido por Dean Marshall, Brian Hansen y Matthew Harney, que cuenta con la participación de los músicos Matthew Harney, Alicia Enstrom, Jason Hurwitz, Kristina Bauch, Naseem Khozein, Leah Zeger Hidayat Honari, Tim Harley y Charles Bullough.
BARRAGE presenta un festival de violines, se trata de una mezcla ecléctica de música, canciones y danza internacionales. La segunda década de vida arrancó en 2007 con una serie de viajes en todo el mundo, realizando alrededor de 200 presentaciones en Estados Unidos, Europa, Asia y Canadá.
Los asistentes a los conciertos disfrutaron en festivales internacionales, presentaciones en teatro, eventos especiales y apariciones en televisión de este espectáculo, en el que se puede disfrutar fusiones de diversas culturas, estilos musicales y de una vitalidad increíble; su obra combina distintas influencias de la música del mundo contemporáneo con modernos ritmos vocales y de percusiones.
En cada presentación BARRAGE se entrega a su público con energía asombrosa y virtuosismo musical.
Desde su creación en Calgary, Canadá en 1996, el grupo ha actuado ante presidentes, primeros ministros y príncipes en varios de los numerosos países donde se ha presentado. También ha tenido producciones propias en televisión proyectadas varias redes internacionales de televisión, entre las que destacan: el grupo PBS Network en los Estados Unidos, la BBC en Inglaterra y CBC en Canadá y ha presentado su espectáculo en vivo en Nueva Zelandia, Singapur, Taiwán, China, Canadá, Finlandia, Suecia, Irlanda, Dinamarca, Polonia, Alemania, Noruega, Mónaco, Estados Unidos y el Reino Unido.
El grupo se conforma de seis violinistas/vocalistas, una batería, un bajista y un guitarrista. El espectáculo es una demostración creativa de 5 to 1 Entertaiments, el equipo responsable de determinar las selecciones de la música del show, de entrenar a cada músico, de componer y de arreglar toda la música y de registrar y de coproducir todas las presentaciones.
En la presentación del Teatro Degollado de Guadalajara interpretarán piezas como Kumpania, Old Joe Clark, Running Horses (traditional Chinese Folk Tune), Calypso Jam, Chopstickin, Mountain Spring, Love is Calling (Kevin Hataley), Bolero (Maurice Ravel), Dark-haired Boy, A Life Worth Living (Dean Marshall and Tony Moore), Amor Perdido, The Ukraine, Samuel's Vision, Front Porch Jam, La Bastringue (Traditional Acadian Fiddle Tune), Tico Tico (Jose Gomez de Abreu), Eleanor Rigby (John Lennon & Paul McCartney), Asturias (Isaac Albeniz), Karen's Air, Simcha, Sing Sing Sing (Louis Prima) y Devil's Nightmare.
INTEGRANTES
Matthew Harney / violín / asistente director artístico
Originario de Inglaterra, empezó a tocar el violín a la edad de cuatro años. Estudió el método de violín Suzuki por cerca de once años, llevándolo a Salford Youth Orchestra. Después de esto, descubrió la guitarra y las percusiones lo cual le llevó a extender su trabajo en bandas en rock, pop y punky.
Alicia Enstrom / violín
En su ciudad natal de Topeka, Kansas, comenzó a tomar lecciones de violín a la edad de 3 años y fue admitida al Concertmaster de Topeka Simphony Youth Orchestra mientras estaba en octavo grado. Terminó su educación elemental en Vanderbilt University's Blair School of Music con el profesor Chris Teal. También estudió jazz y violín en Vanderbilt en el Henry Mancini Institute, así como en Rocky Mountain Summer Conservatory and the Sunflower Music Festival.
Jason Hurwitz / violín
A la edad de 5 años, fue un candidato perfecto para tomar el Método Suzuki de violín. Se graduó recientemente en la University of Miami con un grado en Music Education. Durante el verano podía ser visto en Hershey Park actuando con la banda de bluegrass, country y covers, Sonic Roots. Hace cinco años, miraba a BARRAGE como parte de la audiencia, ahora ha realizado el sueño de su vida actuando como violinista del grupo.
Cristina Bauch / violín
Ha amado el baile y tocar violín desde que tenía tres años de edad, por lo que está familiarizada con muchas formas de danza incluyendo ballet, tap, jazz y flamenco. Ha trabajado como coreógrafo para Winnipeg's Little Opera Company" y varios musicales de highschool. En el año 2000, se integró a la Winnipeg Simphony Orchestra, donde permaneció por dos años antes estudiar en el Institute of Chamber Music en Milwaukee, bajo la dirección de Myron Kartman. Desde su graduación en mayo de 2004, ha actuado en Calgary en "Gypsies, Jocks and Divas", “Rainbow Stage”, “La bella y la bestia”, Winnipeg Symphony’s New Music Festival y con Rod Stewart.
Naseem Khozein / violín
Comenzó a tocar el violín en la edad de cuatro años bajo el Método Suzuki. Desde entonces ha ganado diversas competiciones como solista y compositora en su natal Texas. En el año 2005, ganó un grado de la música de la University of Texas en Austin con un trabajo sobre Mediterranean Cultures. Ha participado, como cantante y violinista, en numerosos conciertos interpretando diferentes estilos, incluyendo brasileño, persa, latino, africano y jazz.
Leah Zeger / violín
Después de aprender a tocar el violín a la edad de seis años, puso su atención en la voz, llevándola a graduarse en Bachelor of Arts in Opera Performance de la Universidad de Texas. Durante su estancia en la universidad, tocó con la Austin Simphony mientras que combinaba sus clases y presentaciones con el violín y vocales en numerosas bandas de jazz. La gama ecléctica que interpreta cubre muchos estilos musicales incluyendo bluegrass, flamenco y blues.
Charles Bullough / batería
Su viaje con BARRAGE comenzó en el año 2000, después de graduarse en el Grant MacEwan College en Edmonton, Alberta. Después de tomar un descanso en 2003, regresó con la agrupación. Algunas de sus influencias incluyen a Tony Williams, John Bonham, y Danny Carey.
Tim Harley / bajo
Ha estado tocando el bajo por 10 años y con BARRAGE durante los últimos cuatro. Ha participado en trabajo de sesión de estudio dentro y fuera del grupo. Su último trabajo fue el tocar con el guitarrista original de BARRAGE, Aaron Young, en su álbum de jazz titulado (spazzjazz.com) También ha tocado en muchos grupos incluyendo un banda de punkrock llamada "Belvedere". Estudió jazz en Mount Royal College en Calgary.
Hidayat Honari / guitarra
Se graduó del programa Jazz Studies en Capilano College en Vancouver, Columbia Británica. Siempre ha estado activo en la escena de la World Music que se compone principalmente de música de fusión persa, árabe, india e iraní.
Dean Marshall / director musical
Durante la década pasada, se ha distinguido como un pedagogo versátil, compositor, coordinador financiero y ejecutante. Como director musical ha estirado los parámetros de violín que toca incorporando tradicionales estilos de la música con un sonido contemporáneo. Ha producido numeroso proyectos de grabación y de video. Como el director creativo de 5 to 1 Entertainments, es constante en su exploración de nuevos idiomas artísticos y creación musical.
Brian Hansen / coreógrafo
Ha estado con el grupo desde diciembre de 1998. Hizo la coreografía y dirigió su concierto especial Barrage: The world on stage así como sus producciones en gira A violín sings, A Fiddle Dances y Vagabond Tales. Es también el director artístico de la versión norteamericana de Bjorn Again y co director artístico del Back Pocket Performance Theatre.
John Crozman
Su instinto creativo incontenible se ha centrado en la formación y el funcionamiento autosuficiente de nuevos y emocionantes conceptos de la música y productos por más de 15 años. Un violinista original y fiddler con un concepto sólido del negocio, tiene pasión para empujar los límites y estirar los parámetros de qué se considera “tradicional.”
Born in Lima, Peru, Juan Diego Flórez undertook music studies both in his native Lima and at Curtis Institute in Philadelphia. In 1996 he made his official operatic debut in Matilde di Shabran at the Rossini Opera Festival in Pesaro, where his expressive voice and astonishing agility immediately won him critical accolades. Since then, Flórez has become the Rossini tenor of choice in major international theaters.
Flórez has enjoyed great success in theaters such as La Scala of Milan (Gluck’s Armide, Falstaff, Nino Rota’s Il Cappello di Paglia di Firenze, Il Barbiere di Siviglia, Nina Pazza per Amore, La Sonnambula, Italiana in Algeri,Cenerentola), Comunale of Florence (Le Comte Ory, Falstaff), Carlo Felice in Genoa (La Cenerentola, Le Comte Ory, Donna del lago, Fille du regiment), Rossini Opera Festival in Pesaro (Matilde di Shabran, Il Signor Bruschino, Petite Messe Solennelle, La Cenerentola, Il Viaggio a Reims, Donna del lago, Stabat Mater, Le Comte Ory, Barbiere di Siviglia), Regio of Turin (La Sonnambula, Stabat Mater, Maria Stuarda) Accademy of Santa Cecilia in Rome (Stabat Mater and Cantata, both by Rossini, Recital), Comunale of Bologna (Il Viaggio a Reims, Barbiere di Siviglia, Fille du regiment, Le Comte Ory), Filarmonico of Verona (L’Italiana in Algeri, Barbiere di Siviglia), Opera of Rome (Il Barbiere di Siviglia, Italiana in Algeri),San Carlo of Naples (Concert). Out of Italy: The Metropolitan Opera House of New York (Barbiere di Siviglia, Cenerentola, Italiana in Algeri, Don Pasquale) Staatsoper of Vienna (Il Barbiere di Siviglia, L’Italiana in Algeri, Gianni Schicchi, Sonnambula), Maestranza of Seville (Donizetti’s Alahor in Granata), Salzburg Festival (Donna del lago), San Francisco Symphony (Stabat Mater), San Francisco Opera (Cenerentola) Covent Garden in London (Donizetti’s Elisabetta, Rossini’s Otello, Cenerentola, Sonnambula, Don Pasquale), Konzerthaus in Vienna (Semiramide), Festival Radio France Montpellier (La donna del lago) Musikverein of Vienna (Stabat Mater), Munich’s Bayerische Staatsoper (L’Italiana in Algeri) Gran Teatre del Liceu of Barcelona (Stabat Mater, Maria Stuarda), Paris Ópera (L’Italiana in Algeri, Cenerentola), Châtelet in Paris (Falstaff) Opernhaus in Zurich (Cenerentola, Don Pasquale), Lyric Opera of Chicago (Cenerentola), Deutsche Oper Berlin (Concert).
He has sung under Riccardo Muti, James Levine, Riccardo Chailly, Myung-Wun Chung, John Elliot Gardiner, Daniele Gatti, Gianluigi Gelmetti, Neville Marriner, Antonio Pappano, Roberto Abbado, Carlo Rizzi, Christophe Rousset, Claudio Scimone, Ralf Weikert, Jesùs Lopez Cobos and Alberto Zedda.
Future engagements for Flórez through 2013 are scheduled for La Scala in Milan, the Metropolitan Opera House of New York, Covent Garden in London, Staatsoper in Vienna, Rossini Opera Festival in Pesaro, Los Angeles, Opernhaus of Zurich, Real of Madrid, Liceu of Barcelona, Deutsche Oper Berlin, Houston Opera, Chicago Lyric Opera, San Francisco Opera, Liceu of Barcelona, Japan.
Since March 2001 he has been an exclusive artist for Decca. His third album “Great Tenor Arias” with Carlo Rizzi and OSM was released internationally in Autumn 2004. His other critically acclaimed Decca albums are Bel Canto and Rossini Arias. Last year Decca released on DVD Il Barbiere di Siviglia in the visually stunning production from the Teatro Real in Madrid. 2006 sees the release of the live recording from the 2004 Pesaro Rossini Festival production of Matilde di Shabran on CD and on DVD Donizetti’s La Fille du regiment filmed at the Teatro Carlo Felice, Genoa in 2005. Juan Diego’s fourth album Sentimiento Latino, irresistible popular songs from his native South America and Spain has just been released internationally.
He received the Abbiati Prize conferred by Italian music critics, Rossini d’Oro in Pesaro, Aureliano Pertile’s Prize, Francesco Tamagno Prize, L’Opera Award Prize, Bellini’s Prize. His recordings have many important prizes.
En el concierto de Año Nuevo de este año, Barenboim ha incorporado esta curiosa pieza de Haydn, en la que los músicos van abandonando la sala, uno tras otro. Es digna de ver la interpretación gestual del director hispano-argentino. Esta sinfonía fue compuesta a modo de protesta por Haydn porque los músicos del palacio de Esterházy (donde trabajaba Haydn) estaban molestos porque debían trabajar en verano y no podían disfrutar de unas vacaciones junto a sus familias. Según parece, la protesta tuvo éxito y lograron vacaciones
La banda de progresivo más famosa de Italia, complació a más de tres mil seguidores.
Fue el directo más energético de lo que va de la jornada de la FIL. Foto: Luz Vázquez
Presentada como una de las bandas más importantes de rock progresivo del mundo, la Premiata Forneria Marconi (PFM) se presentó anoche en el Foro Expo ante más de tres mil seguidores, no sólo de Guadalajara, sino de ciudades como Zacatecas, Culiacán, y Mexicali, quienes viajaron para vivir la música de esta legendaria banda, cuya historia se remonta hasta el decenio de los setenta. “!Hola México, estamos muy felices de estar aquí. El escenario es una nave en la que partiremos al universo del rock progresivo”, saludó Franz di Cioccio, vocalista y baterista de la banda integrada por Franco Mussida en la guitarra y Patrick Djivas en el bajo, uno de los más celebrado durante sus improvisaciones.
Fue la velada más energética y aplaudida de la serie de conciertos que se han presentado en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, que este año tiene a la patria de la PFM como país invitado. Fueron dos horas de rock progresivo con guiños de improvisación y de música popular, ecos que fueron acompañados por aplausos, silbidos y el baile del público, diverso: artista, pintores, adultos recordando la adolescencia, jóvenes y familias enteras. Se despidieron con “Cyber Alpha 3.1”, para regresar a los pocos minutos y complacer a sus eufóricos seguidores. “No tengo palabras. Excelente, hermoso, el virtuosismo de estos músicos es excelente”, opinó con voz ronca Genaro, programador de Guadalajara, luego de la primera despedida, “esperamos que regresen”.
La Premiata Forneria Marconi – PMF, es el grupo de rock italiano más famoso del mundo y la única banda nacional clasificada en el Billboard en Estados Unidos. PFM nace del grupo llamado I Quelli, agrupación de los años sesenta. A finales de 1970, Franz Di Cioccio, Franco Mussida, Flavio Premoli y Giorgio Piazza (sustituido después por Patrick Djivas), a quienes se une el polinstrumentista Mauro Pagani, dan vida a la Premiata Forneria Marconi, cuyo nombre se abrevió y dio como resultado PFM. En aquella época, los componentes del grupo ya se habían dado a conocer en el ambiente discográfico italiano por la calidad, la preparación y la técnica instrumental (se encontraban entre los más requeridos para realizar colaboraciones y habían coincidido con estrellas como Mina, Lucio Battisti y Fabrizio De Andre, entre otros). Precisamente fueron sus dotes técnicas las que les permitieron convertirse en algo más que session man de lujo, con la posibilidad de tocar el progressive rock, género musical emergente en aquellos años. PFM ha tocado con bandas del calibre de Yes, Deep Purple, Alvin Lee’s Ten Years After, Poco, Santana, Beach Boys, Allman Bros, ZZ Top y muchos otros. En 37 años de fulgurante carrera, PFM ha grabado quince álbumes en estudio, nueve en vivo y trece compilaciones que fueron publicadas en toda Europa, Japón y Estados Unidos, con gran acogida entre público y crítica. La banda evolucionó estilísticamente con el paso del tiempo gracias a las notables dotes instrumentales de sus componentes y es, hoy en día, el único grupo italiano que ha conseguido tener un éxito duradero en el mercado exterior. PFM se ha presentado en todo el mundo: Europa, Estados Unidos, Canadá, México, Japón, Corea, Panamá, Venezuela y Brasil, con el éxito de siempre. En la actualidad, la PFM está compuesta por Franz Di Cioccio, Patrick Djivas y Franco Mussida, a los que se unen Lucio Fabbri, Gianluca Tagliavini y Pietro Monterisi.
La velada se dividió en varios temas de su primer material Mediterráneo
GUADALAJARA, JALISCO.- El músico romano Stefano Scarfone, junto con la chelista Martina Bertoni y el percusionista Gabriele Gagliarini, lograron transportar a un lugar cerca de las costas del Mediterráneo por casi dos horas a cientos de tapatíos que se dieron cita en el Foro Expo.
La velada se dividió en varios temas de su primer material Mediterráneo, en el que dieron muestra de su maestría musical de manera individual y grupal, presentando varias piezas en las que los sonidos claves fueron el flamenco, blues, jazz, algo de folk, ritmos latinos y varios acordes de guitarra que remitían directamente a la música árabe.
Con esta fusión musical la agrupación se despidió de Guadalajara sonriendo y diciéndoles “mil gracias”, cerrando la noche con el famoso tango Volver.
Stefano Scarfone nació en Roma. Es compositor, productor, guitarrista y autor de cientos de producciones televisivas, cinematográficas y publicitarias. Ha ganado importantes reconocimientos artísticos, entre los que destacan el premio Mariano Romiti de composición musical y el Key Award, equivalente al Óscar de la publicidad. En Guadalajara presentará el espectáculo titulado Estrella, un trabajo casi cien por ciento instrumental, capaz de transportar al público a un verdadero viaje lleno de sensaciones y olores provenientes del Mediterráneo. La fuente de inspiración de Stefano Scarfone es, de hecho, este punto de encuentro de culturas donde se funden pueblos y tradiciones de civilizaciones milenarias. Los conciertos de Stefano Scarfone mezclan, intencionadamente, ritmos y géneros incluso muy distintos, desde la tradición flamenca a la música étnica, del jazz latino a la música de los Balcanes, con una elegancia fuera de discusión, donde la elección de cada trama armónica es cuidada con sensibilidad y talento, en ejecuciones nunca repetitivas atrapan y fascinan al público. En Estrella se encuentra la magia y miseria, unicidad y desilusión, orgullo y humildad. El flamenco se reviste de aires nuevos, filtrados de un mundo lleno de contradicciones contadas casi sin palabras. Es un viaje a través de doce emociones distintas que toman vida en un vivir de cautivadora belleza, donde el virtuosismo existe sólo en función de la misma música, única verdadera protagonista de los conciertos del guitarrista romano. Los músicos que acompañan la guitarra de Stefano Scarfone son: Andrea Ruta, en la batería y percusión; Alessandro Sanna, en el bajo, y Fabio Zaccaria, con el piano.
El sábado por fin fué la inauguración de la FIL 2008 e Italia es el país invitado, la fiesta invade a Guadalajara; Por todos lados solo se habla de la feria y sus eventos, les comparto un vídeo de la inauguración, otro de la promocion y uno mas del primer concierto en la explanada de Expo Guadalajara.
Creada en 1987 por iniciativa de la Universidad de Guadalajara, la Feria Internacional del Libro de Guadalajara —la FIL— es actualmente el mayor mercado mundial de publicaciones en español. Cada año recorren sus pasillos editores, agentes literarios, promotores de lectura, traductores, distribuidores y bibliotecarios, que acuden a realizar intercambios comerciales y profesionales. En la FIL también se dan cita más de medio millón de personas, que a lo largo de nueve días se sumergen en los libros y disfrutan de uno de los festivales culturales más importantes de América Latina.
Algunos números de la FIL reflejan bien su importancia: 34 mil metros cuadrados de área de exposición, con un promedio anual de más de 1,600 casas editoriales de 40 países; el programa de actividades contempla más de 600 horas de programación; más de 300 presentaciones de libros y más de cien mil jóvenes la visitan cada año. Su organización deja en Guadalajara una derrama económica superior a los diez millones de dólares.
Más allá de las cifras, la FIL es un patrimonio vital y concreto de la cultura hispanoamericana. A través de sus tres áreas de acción (la editorial, la académica y la cultural), la FIL se ha consolidado como punto de encuentro para la discusión en torno a la cultura contemporánea. Escritores, académicos, artistas, intelectuales y muchas otras personas interesadas en el intercambio de ideas sobre el acontecer cultural acuden a este encuentro anual.
Hubo en la promocion de la feria una estrategia nueva que le llamaron agentes encubiertos, fué bastante divertida la realizaron en varias ocaciones en diferentes puntos de la ciudad, aqui una muestra de como se realizo
Oasis se presentó en la Arena VFG, aquella a la que había decidido no regresar después de la mala experiencia en el concierto de Sara Brighman esta vez el lugar resulto el mas adecuado para este tipo de conciertos en donde de bailar gritar y corear las canciones es de lo que se trata; el recorrido fue mas ágil y el acceso a los estacionamientos de la Arena fué rápido y gratuito creo que eramos mas de 15mil los que asistimos a uno de los conciertos mas esperados del año.
La banda fundada en Manchester, Inglaterra allá por los años noventa, ofreció un concierto estupendo; la mayoría de sus canciones fueron bailadas y coreadas, el slam no faltó en la parte mas cercana al escenario, varios asistentes salieron en hombros aplastados por la multitud que se arremolino en las vallas cercanas al escenario, volaron vasos de cerveza o no se que liquido, los churros eran apagados y vueltos a encender, el olor a petate se extendió por todos lados, cantaron mas de hora y media, el vocalista se encabronaba a cada momento por que fallaban sus audífonos que llevaba, les mentó la madre a los técnicos y en la primera parte varias veces se metió pareciendo que no volvería a salir, se sabe que es un tipo bastante temperamental sin embargo a todos nos gusto mucho el concierto cerraron con una estupenda interpretación de Lucy in the sky whit Diamonds de Los Beatles, no queda ni la menor duda de sus influencias del cuarteto de Liverpool.
En el año 1993 compre un álbum de la música del fantasma de la opera regresaba de un viaje al extranjero y quería traer música de los lugares que había visitado, lo adquirí en el aviónme quedaban unos dólares de mi viaje y la música me gusta mucho, cuando llegue lo guarde en mi colección a ahí duro varios años sin escucharse; con el paso del tiempo mi madre lo vio y lo empezó a escuchar prácticamente ella fue quien lo descubrió, era el soudtrack de la puesta en escena de Londres, la protagonista y desde luego interprete era la hoy mundialmente famosa Sarah Brightman con los años fue ganando fama en todo el mundo y a principios de este siglo se volvió común éxito comercial las voces del canto operístico que pasaban a la interpretación de música popular así llego a un mercado masivo artistas como Filipa Giordano Vanesa Mae y muchos más entre otras Sara, en México, Guadalupe Pineda lo intento sin tener el éxito de las cantantes internacionales
Ayer se presento en la arena VFG de Tlajomulco,fue un concierto muy promocionado y realmente inusual, según los diarios fuimos mas de 14mil personas las que acudimos a la presentación de la Inglesasu carrera artística y su fama mundial convoco a gente de todas las edades a disfrutar el evento, su manera de interpretar la música parece de cuanto de hadas y así fue como sucedió el concierto como en un cuento,mas de dos horas presento su espectáculo que anuncia en gira internacional hasta aquí la parte buena
Como los sueños, a veces terminan en pesadilla, varios errores en el concierto, primero, elección delforo, Arena VFG, el recorrido fue de casi dos horas en un trayecto que generalmente se hace en media hora, filas interminables de automóviles.
El concierto fue para las primeras veinte filas, los demás nos quedamos con la imaginación, para reconstruir a una Sara que se veía pequeña ante un escenario gigante; la trampa del el diseño de la Arena VFG, que recorre el escenario para aumentar la capacidad en la zona VIP, y la carencia de pantallas con imagen en tiempo real de el concierto, termina por robar la poca visibilidad que le quedan a las localidades económicas, eso sin contar los olores a fritangas que se dispersan desde las cocinas, estilo mercado, instaladas en la parte baja de las tribunas.
Muchas veces, impulsado por imágenes de la televisión o del cine, he decidido ir a conciertos; algunas veces ha sido muy agradable desde el inicio hasta el fin, en esta ocasión, el inicio fue terrible, el evento regular y el regreso cansado; es mejor ver a Sarah Brightman en DVD en la comodidad de mi casa o quizá en Londres en algún teatro, creo que será la primera opción las más probable, sin embargo, tengo esperanzas de regresar algún día a Londres y disfrutar de su espectáculo, en vivo, en un lugar apropiado para su propuesta.
Una maravillosa voz y sobre todo una propuesta muy interesante y refrescante de la música tradicional mexicana mañana se presenta en Guadalajara en un Teatro Diana que seguro estará a tope
Buscando información acerca de ella y su carrera encontré lo siguiente en un sitio del gobierno de USA acerca de hispanos prominentes en Estados Unidos; Decidir que vídeo poner fue difícil, por que todas su música es muy buena, solo tres piezas.
La sandunga
Amarga navidad
Paloma negra
Las tres, excelentes interpretaciones, refrescan y renuevan la música tradicional mexicana, Lila compite impresionante mente muy bien con voces y estilos de culto como fueron Lola Beltran y Lucha Villa, quienes para las nuevas generaciones ya no dicen mucho pero que fueron cantantes estupendas la primera murió, la segunda se retiro por enfermedad, su espacio lo habían intentado ocupar algunas interpretes sin embargo creo que Lila Downs llego para quedarse
Lugar de origen: Su madre era mexicana y su padre era de los Estados Unidos y Lila ha vivido en los dos países.
Datos
Méndez vs. Westminster (1946), Para Todos los Niños (2003)
Narrativa
Lila Downs creció en las montañas de la sierra Madre en Oaxaca. Su padre fue a México para grabar un documental y conoció a Anita, la madre de Lila. Anita era una cantante mexicana con raíces indígenas. Lila tenía el mismo talento que su madre y empezó a cantar cuando tenía ocho años. A los catorce años fue a Los Angeles para tomar clases de voz y luego continuó sus clases en Oaxaca, México.
Lila decidió trasladarse a los Estados Unidos para la universidad. Ella estudio antropología y música en Minnesota. Lila quería ser una cantante de ópera pero no le gustó la facultad y dejó sus estudios. Ella luchó con sus dos identidades y “sentía avergonzada de ser mitad norteamericana y mitad india mexicana.”*
Después de pasar un tiempo como una hipe en los Estados Unidos, Lila regresó a México. Las mujeres indígenas de las montañas de Oaxaca enseñaron a Lila tejer tela. Luego, Lila hizo su tesis sobre el simbolismo del arte que creaban estas mujeres.
Lila empezó su carrera de cantante en los clubes de Oaxaca. Ella colaboró con Paul Cohan, un americano que tocaba al saxofón. Aparte de escribir canciones, ellos además eran amantes.
Las historias de mexicanos que cruzaban la frontera ilegalmente a los Estados Unidos inspiraron las primeras canciones de Lila. Su primer disco estrenó en los noventas y se llama La Sundunga. Ahora, su grupo tiene cuatro discos y ha viajado por Europa y las Américas.
Lila grabó algunas canciones para la película Frida y en 2003 cantó una de ellas durante los Oscars, ¨Burn it Blue¨. Lila tenía dudas en qué idioma debería cantar. Al final decidió mezclarlos y también incorporar las lenguas indígenas de México en sus canciones. Lila ha admitido que “por el medio de la música he podido cambiar mi parte mexicana con la estadounidense…ahora ya he podido reconciliarme conmigo misma, y estoy muy orgullosa de quien soy.”*
Jay Rodríguez y Elio Villafranca, además de ser considerados como dos de los mejores exponentes del jazz neoyorquino, coinciden en algunas cosas más: ambos son oriundos de Latinoamérica (Jay nació en Colombia, Elio en Cuba); ofrecerán en conjunto un taller en Guadalajara y durante una noche unirán su virtuosismo en el Teatro Diana.
excelente concierto, lo mejor, los niños a amor pacifico reciente agrupacion de los chavitos que llevaron curso de verano "solo para bajitos" que organiza tonica
Espectáculo dirigido por Dean Marshall, Brian Hansen y Matthew Harney, que cuenta con la participación de los músicos Matthew Harney, Alicia Enstrom, Jason Hurwitz, Kristina Bauch, Naseem Khozein, Leah Zeger Hidayat Honari, Tim Harley y Charles Bullough.
