Desnudito de la semana.....Gustav Klimt

Anciana desnuda de perfil, 1903. Muy interesado en las formas femeninas, realizó estudios sobre los cambios en el físico de la mujer. Así, escogería modelos de edad para plasmar el comportamiento de la carne de manera realista.

Biografía y obra de Gustav Klimt

Gustav Klimt representa una particular visión del Modernismo que ha hecho que muchos lo consideren dentro del ámbito del Simbolismo por los contenidos de sus obras. Crea un lenguaje propio de símbolos, de gran carga simbólica.

Fruto de su viaje a Ravenna en 1903, conoció los mosaicos bizantinos y una decoración de gran brillantez de color y antinaturalista que influirán profundamente en su obra sintiendo gran predilección por los fondos dorados.

Lo más llamativo de su obra es la continua presencia de lo femenino, representando lo enigmático. La sexualidad y el erotismo artístico serán elementos claves.

Klimt nació el 4 de Julio de 1862 en Viena. A los catorce años ingresa en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena junto con su hermano Ernst y con Franz Mastch, con quienes formará una asociación, la Compañía de Artistas. El trío tendrá tanto éxito en Viena que recibirán numerosos encargos relacionados sobre todo con la decoración de edificios arquitectónicos.

Sus primeras obras están muy influenciadas por Hans Makart, artista academicista de la época. Su estilo es muy barroco y toma de Makart el rechazo a los espacios vacíos, el horror vacui, que le hace llenar los fondos de sus cuadros hasta rebosar.

En 1880 la Compañía de Artistas recibe sus primeros trabajos oficiales: Las cuatro alegorías del Palacio Sturany, en Viena, y las pinturas de cielo raso en el balneario de Carlsbad.
En la decoración de la caja de la escalera del Kunsthistorisches Museum, donde tienen que representar el periodo de la Historia del Arte que va desde el antiguo Egipto hasta la Florencia del cinquecento, comienza el desarrollo estilístico de Klimt hacia los temas simbólicos, decorativos y florales.

La Viena de fin de siglo estuvo muy influenciada por la Secesión vienesa, asociación creada en 1897 por artistas de vanguardia y de la que Klimt fue presidente. Lucharon contra el academicismo y el conservadurismo, desempeñando un papel central en el desarrollo del modernismo. Encontró su mecenas en la burguesía, quien encargará a Klimt numerosos retratos, sobre todo de mujeres.

En 1893, Klimt y su socio Matsch fueron comisionados por la Universidad de Viena para adornar los techos del edificio. Sus puntos de vista eran tan diferentes que ambos entraron en conflicto, hasta el punto de romper la sociedad y no volver a trabajar juntos nunca más.

Concibió tres paneles que llevarían por título: Filosofía, Medicina y Jurisprudencia.

El encargo de la Filosofía debía expresar el triunfo de la luz del intelecto humano sobre las tinieblas. En su lugar el artista presenta la "victoria de las tinieblas sobre todo lo demás". Klimt buscaba resolver la incógnita metafísica de la existencia humana y el desconcierto del hombre moderno. Para ello divide su obra en tres partes: a la izquierda, un grupo de personas que simbolizan la evolución de la vida (nacer, madurar, perecer), a la derecha, la esfera del mundo como acertijo del universo y abajo, una figura iluminadora que representa el saber.
Su interpretación no fue aceptada ni entendida y causó escándalo entre los catedráticos de la Universidad.

En la alegoría de la Medicina presenta la corriente de la vida que arrastra consigo los cadáveres arrebatados por el destino. Tienen lugar todas las fases vitales, desde el nacimiento hasta la muerte. Esta visión, en vez de celebrar la capacidad de curación de la medicina, recalca su impotencia ante las fuerzas indomables del destino. Además, Hygieia, la diosa de la salud aparece dando la espalda a la humanidad.

Su Jurisprudencia tuvo una acogida similar. El cuadro presenta a un condenado, un anciano desnudo degradado físicamente y en posición de culpabilidad, rodeado por la Verdad, la Justicia y la Ley, que han sido representadas como tres mujeres fatales desnudas y con serpientes.

Klimt, harto de censuras y como respuesta a la crítica, pinta un cuadro que en principio titula A mis críticos y que más tardes llamó Peces dorados. Entre unas féminas desnudas con clara actitud sexual, aparece en primer plano una náyade risueña que muestra su culo al espectador. La cólera es general y Klimt nunca más recibirá un encargo público.

Gracias a sus retratos de mujeres disfrutará de independencia económica. Serán imágenes suaves, de tonos claros y fondos neutros donde hace uso de las técnicas impresionistas. Las mujeres aparecen apacibles, ensimismadas, con mirada melancólica o ausente. Éste es el artista inofensivo apreciado en Viena. Ejemplos: Gertha Felsöványi, Serena Lederer o Emile Flöge.

Pero cuando no trabaja para un cliente, Klimt deja de lado toda reserva y da rienda suelta a su creatividad. Sus mujeres aparecen entonces peligrosas e intuitivas. Se presentan a la vez seductoras y como elemento de perdición, mujeres fatales que son fuente de vida pero cuya presencia va asociada a la muerte. Las pinta en todas sus posiciones, incluso las más osadas, vestidas y desnudas, solas o en grupo, incluso masturbándose. Representa frecuentemente el amor lésbico. El hombre apenas aparece, y si lo hace es sólo como accesorio para realzar la presencia de la mujer.

Agua en movimiento y Peces plateados evocan un mundo de formas acuáticas, de naturaleza sexual. Mujeres que serpentean en actitud provocativa entre las aguas. Las algas y las ondas se funden con los cuerpos y cabellos ofreciendo una imagen sensual de mujeres lascivas.

Judith I es el arquetipo de mujer fatal de Klimt. La expresión de éxtasis de Judith, con la cabeza de su enemigo en la mano, al que ha seducido para decapitarlo, refleja la ambigüedad de sus mujeres: fuerza liberadora, sensual y, al mismo tiempo, amenazante, misteriosa.

En La Esperanza I, el erotismo emana de la mujer embarazada. Su impúdico bello rojo y la prominente barriga son símbolo de penetración. Rodean la imagen alegorías de dolor y muerte y las edades de la vida.

El beso es una imagen de amor espiritual e idealizado. Aparece un apareja abrazada que encarna la felicidad erótica imperturbable. Los modelos son el propio Klimt y su amiga Emile Flöge. Ambos cuerpos forman una masa dorada, con ornamentos cuadrados para el hombre y curvilíneos para la mujer.

El beso ofrece una imagen contradictoria de sus mujeres, esta vez la mujer se entrega al hombre, que es un ser activo, es el que lleva la fuerza y da el beso, mientras la mujer, afronta esto con pasividad.

Las visiones de Klimt están llenas de vida, y al mismo tiempo, la muerte, los ciclos vitales de la humanidad y el significado de la vida son una obsesión que reflejará en multitud de obras, como en el Friso de Beethoven y en los mosaicos del Palacio Stoclet.

enlaces: www.arteespana.com/gustavklimt.htm

Joseph Wright of Derby, pintor de la Revolución Industrial

Joseph Wright (3 de septiembre de 1734 - 29 de agosto de 1797), conocido como Wright of Derby (Wright de Derby) fue un pintor inglés famoso por sus pinturas de paisajes y sus retratos. Ha sido considerado el «primer pintor profesional que expresó el espíritu de la Revolución Industrial».

Nació en Irongate, Derby y era hijo de un abogado que sería más tarde secretario de la ciudad. Para convertirse en pintor viajó a Londres en 1751 para estudiar durante dos años bajo la tutela de Thomas Hudson, maestro de pintores como Joshua Reynolds. Tras realizar varios retratos en Derby consiguió un empleo durante quince meses trabajando para su antiguo maestro. Más tarde se instaló en Derby. Adquirió fama como retratista y por la producción de cuadros con fuertes claroscuros bajo condiciones de luz artificial que dotaban a sus obras de un estilo propio y fácilmente identificable.

Se casó en 1773, y a finales de ese año visitó Italia, donde permaneció hasta 1775. Estando en Nápoles fue testigo de una erupción del monte Vesubio, que fue el tema de muchas pinturas posteriores. A su regreso de Italia se estableció en Bath como retratista; pero ante la falta de estímulos regresó a Derby, donde pasó el resto de su vida.

Con frecuencia contribuyó a las exposiciones de la Sociedad de Artistas, y a las de la Royal Academy, de la que fue elegido asociado en 1781 y miembro de pleno derecho en 1784. No obstante, declinó este segundo honor debido a un desaire que creyó haber recibido, y rompió relaciones oficiales con la Academia, aunque siguió contribuyendo a las exposiciones desde 1783 hasta 1794.

Experimento con un pájaro en una bomba de aire (en inglés, An Experiment on a Bird in the Air Pump) es un óleo sobre lienzo obra de Joseph Wright de Derby, parte de una serie de escenas iluminadas con velas que Wright pintó durante los años 1760. Este cuadro se diferencia de las convenciones pictóricas previas en que representa un tema científico en la manera reverente anteriormente reservada a escenas de significado histórico o religioso. Wright trabajó sobre todo en su ciudad natal, Derby, uno de los centros de la Revolución Industrial,^[1] por lo que estaba íntimamente involucrado en su representación, así como de los avances científicos de la Ilustración, pero aunque sus contemporáneos reconocían estas pinturas como algo fuera de lo normal, su estatus provinciano y la elección de temas significaron que el estilo nunca fue ampliamente imitado. El cuadro ha sido propiedad de la National Gallery desde 1863 y aún está considerado como una obra maestra del arte británico.

La pintura representa un filósofo natural, un precedente del moderno científico, recreando uno de los experimentos con bomba de aire de Robert Boyle, en el que un pájaro se ve privado de oxígeno, ante un variado grupo de espectadores. El grupo muestra una variedad de reacciones, pero en la mayor parte de ellos la curiosidad científica supera la preocupación por el pájaro. La figura central mira hacia afuera de la pintura como si invitara al espectador a que participe en el acontecimiento.

Durante su aprendizaje como pintor y primeros tiempos de su carrera, Wright se concentró en los retratos. Para el año 1762, era un completo retratista, y su retrato de grupo del año 1764 James Shuttleworth, su esposa e hija está reconocido como su primera obra maestra verdadera. Benedict Nicholson sugiere que Wright recibió la influencia de Thomas Frye; en particular por las dieciocho mediatintas tamaño busto que Frye completó justo antes de su muerte en 1762. Es quizás las imágenes a la luz de la vela de Frye lo que tentó a Wright para experimentar con piezas temáticas. El primer intento de Wright, Una joven leyendo una carta a la luz de una vela con un joven mirando por encima de su hombro de 1762 o 1763, es un atrayente acercamiento al género, pero poco complicado. La obra de Wright Experimento con un pájaro en una bomba de aire forma parte de una serie de nocturnos a la luz de la vela que produjo entre 1765 y 1768.

La primera de sus obras maestras con luz de vela, Tres personas mirando al «Gladiador» a la luz de la vela, la pintó en 1765, y mostraba a tres hombres estudiando un modelo del «Gladiador Borghese». El Gladiador era muy admirado; pero su siguiente cuadro, Un filósofo impartiendo una conferencia en el planetario, en el que se pone una lámpara en lugar del Sol (normalmente conocido con el nombre abreviado de Un filósofo dando una conferencia en el planetario o El planetario) causó sensación, pues sustituyó el tema clásico como centro de la escena con uno de naturaleza científica. La representación de Wright del asombro que producían los «milagros» científicos marcó una ruptura con tradiciones previas en las que la representación artística de semejantes maravillas estaba reservada a acontecimientos religiosos,^[11] ya que para Wright las maravillas de la época tecnológica inspiraban tanto asombro como los temas de las grandes obras religiosas.^[12] Una crítica anónima de la época llamó a Wright «un genio muy grande e infrecuente en una manera muy particular».^[13] El planetario fue pintado sin un encargo, probablemente esperando que fuera comprado por Washington Shirley, quinto conde Ferrers, un astrónomo aficionado quien tenía un planetario propio, y con quien se quedaba Peter Perez Burdett, amigo de Wright, cuando estaba en Derbyshire. Se cree que están representados en el cuadro tanto Burdett como Ferrers, Burdett tomando notas y Ferrers sentado con su hijo cerca del planetario.^[8] Ferrers compró el cuadro por £210, pero el sexto conde lo vendió en subasta, y ahora lo conserva el Museo y Galería de Arte de Derby.^[14]

Detalle:

A continuación, en 1768, realizó Experimento con un pájaro en una bomba de aire, contrastando el experimento cargado de emoción con la ordenada escena de El Planetario. El cuadro, que mide 183 por 244 centímetros, muestra a una pequeña cacatúa aleteando con pánico al tiempo que el aire es lentamente sustraído del recipiente de vacío por la bomba. Los testigos muestran diversas emociones: las niñas aparecen asustadas, una de ellas mira con preocupación el destino del pájaro, mientras que la otra está demasiado triste para para observar, se tapa los ojos con la mano y es reconfortada por su padre; un caballero mide el tiempo del experimento, desapasionadamente, y a su lado un chico mira con interés; otro caballero, a la derecha del cuadro, muestra una actitud pensativa, mientras que los jóvenes novios de la izquierda del cuadro están ocupados sólo el uno del otro, tan absortos en su asunto amoroso que no atienden al experimento. El científico mira directamente fuera del cuadro, como si desafiara al espectador a juzgar si debe continuar la extracción de aire, matando al pájaro, o si el aire debe ser repuesto y la cacatúa salvada. Salvo por parte de los niños, se muestra muy poca simpatía hacia el pájaro; David Solkin sugiere que los personajes del cuadro muestran la desapasionada indiferencia de la naciente sociedad científica. Los individuos están preocupados uno por el otro: el padre por sus niñas, el joven por la muchacha, pero la angustia de la cacatúa sólo provoca un estudio cuidadoso.

A un lado del chico al fondo, la jaula vacía de la cacatúa puede verse sobre la pared, y para enfatizar más el drama no está claro si el chico está bajando la jaula con la polea para permitir que el pájaro vuelva a ella después del experimento o subiendo la jaula otra vez estando seguro de la muerte de su ocupante. También se ha sugerido que podría estar corriendo las cortinas para bloquear la luz de la luna llena. O podría estar retirando las cortinas para dejar entrar la luz de la luna llena. Jenny Uglow cree que el niño refleja la figura en el último grabado de William Hogarth Las cuatro etapas de la crueldad al señalar la arrogancia y crueldad potencial del experimento, mientras que David Fraser también ve las similitudes de composición con el público agrupado alrededor de una demostración central. La postura neutral del personaje central y las ambiguas intenciones del niño de la jaula fueron ambas ideas tardías: un primer estudio, descubierto en la parte posterior de un autorretrato, omite al niño y muestra al filósofo de la naturaleza consolando a las niñas. En este esbozo es obvio que el pájaro sobrevivirá, y de esta manera a la composición le falta la fuerza de la versión final.

La cacatúa debía ser rara en aquella época, pues es un pájaro no bien conocido hasta más tarde cuando fue mostrado en las ilustraciones de los viajes del capitán Cook en los años 1770. Antes del viaje de Cook, se habían importado estos pájaros en pequeño número para decorar las casas de ricos empresarios industriales. Wright había pintado una cacatúa en 1762 en casa de William Chase, representándolo tanto en su retrato de Chase y su esposa (El señor y la señora Chase) como en un estudio separado, El Loro. Al seleccionar un pájaro tan raro para este sacrificio científico, Wright no sólo escogió un sujeto más dramático que el lungs-glass, sino que quizás estaba prestando una declaración sobre los valores de la sociedad en la época de la Ilustración.

Sobre la mesa hay otras piezas de equipo que el filósofo de la naturaleza habría usado durante su demostración: un termómetro, un apagavelas y un corcho, y cerca del hombre sentado a la derecha hay un par de hemisferios de Magdeburgo, que podrían haberse usado con la bomba de aire para demostrar la diferencia en presión ejercida por el aire y un vacío: cuando el aire fue sacado de entre los dos hemisferios era imposible separarlos. La bomba de aire en sí está representada con gran detalle, un fiel documento de los diseños usuales en la época. Lo que parece ser un cráneo humano en un gran bol de cristal lleno de líquido no sería una pieza normal en el equipo; William Schupbach sugiere que tanto el cráneo como la vela, que presumiblemente está iluminando el bol desde atrás, forman una vanitas—los dos símbolos de mortalidad reflejarían la lucha de la cacatúa por la vida.

Jacques-Louis David,

Jacques-Luis David (París, 30 de agosto de 1748 - 29 de diciembre de 1825) fue un pintor francés de bastante influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del antiguo régimen.

Más tarde David llego a ser un activo participante en la Revolución Francesa así como amigo de Maximilien de Robespierre; en realidad fue el líder de las artes bajo la República Francesa. Encarcelado tras la caída de Robespierre del poder, más tarde se alineó con el advenimiento de otro régimen político, el de Napoleón Bonaparte. Fue en esta época cuando desarrolló su 'Estilo Imperio', notable por el uso de colores cálidos al estilo Veneciano. Entre sus numerosos alumnos cabe destacar a Antoine-Jean Gros, Anne-Louis Girodet de Roucy-Triosson y el más conocido de todos: Jean Auguste Dominique Ingres. Esto le hizo ser el pintor más influyente del arte Francés del siglo XIX, especialmente en las pinturas académicas.

Via wikipedia.

Guernika de Picasso en 3D 10-10

primera obra....

Hace nueve semanas inicie un taller sobre los secretos de las obras de arte, en el programa estaba incluido hacer una pintura inspirada en alguna obra de arte famosa; les presento mi primer cuadro pintado en lienzo de tela al acrílico inspirado en la obra original de Modigliani llamada

Portrait of Woman in Hat Jeanne Hebuterne in Large-Hat

Salvador Dali, 9-10

Muchas personas no cumplen los ochenta porque intentan durante demasiado tiempo quedarse en los cuarenta.

Es fácil reconocer si el hombre tiene gusto: la alfombra debe combinar con las cejas.



Los errores tienen casi siempre un carácter sagrado. Nunca intentéis corregirlos. Al contrario: lo que procede es racionalizarlos, compenetrarse con aquellos integralmente. Después, os será posible subliminarlos.

"Yo no tenía ninguna "razón surrealista" para no tratar a Lenin como un tema onírico y delirante. Muy al contrario. Lenin y Hitler me excitaban al máximo. Hitler más que Lenin, por supuesto. Su espalda regordeta, sobretodo cuando le veía aparecer en su uniforme con cinturón y su tahalí de cuero que apretaban sus carnes, suscitaba en mí un delicioso estremecimiento gustativo de origen bucal que me conducía a un éxtasis wagneriano. Soñaba a menudo con Hitler como si se tratara de una mujer. Su carne, que imaginaba blanquísima, me seducía. Pinté una nodriza hitleriana haciendo calceta sentada en un charco de agua. Se me obligó a borrar la cruz gamada de su brazalete. Esto, sin embargo, no me impidió proclamar que Hitler encarnaba para mí la imagen perfecta del gran masoquista que desencadenaba una guerra mundial por el solo placer de perderla y de enterrarse bajo las ruinas de un imperio: acto gratuito por excelencia que hubiera debido suscitar la admiración surrealista, ¡por una vez que teníamos un héroe moderno! Pinté El enigma de Hitler que, fuera de toda intención política, resumía todos los simbolismos de mi éxtasis. Breton se sintió ultrajado. No quiso admitir que el amo de los nazis no era para mí más que un objeto de delirio inconsciente, una fuerza de autodestrucción y de cataclismo prodigioso."
(Confesiones Inconfensables, Salvador Dalí)

MODIGLIANI el pintor y escultor en imágenes. 8-10

Amedeo Clemente Modigliani (Livorno; 12 de julio de 1884 - París; 24 de enero de 1920) fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París.
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Las Meninas- Velazquez 7-10

LAS MENINAS. DIEGO DA SILVA VELÁZQUEZ

Sobre esta obra se han dicho los calificativos más elogiosos , Luca Giordano, pintor de Carlos II, la llamó “la teología de la pintura” por reunir de un solo golpe todas las virtudes posibles en el arte pictórico. Carl Justi dijo “no hay cuadro alguno que nos haga olvidar éste”. O Teophìle Gautier, que cuando se lo enseñaron, se quedó tan maravillado por la naturalidad y realismo de lo representado que exclamó : pero... ¿dónde está el cuadro?.

Sencillamente, es una de las cumbres de la pintura universal, muy imitada posteriormente y admirada por todos. Velázquez la pintó en 1.656.

Lo que puedes ver...

El tema del cuadro parece trivial, la infanta y sus damitas de compañía (meninas en portugués) irrumpen en el estudio de Velázquez, pintor de cámara del rey Felipe IV, que se encuentra pensativo y observa los modelos que se dispone a pintar. Nosotros podemos ser esos modelos ya que somos contemplados por Velázquez. Sin embargo, los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, a quienes vemos reflejados en el espejo del fondo, son las personas que el pintor retrata.

Pero vayamos por partes, en primer término y de izquierda a derecha tenemos a María Agustina Sarmiento que está haciendo una reverencia y ofreciendo en una bandeja plateada un jarrito o búcaro rojo a la infanta Margarita de Austria que se encuentra en el centro de la composición y resulta ser una deliciosa y encantadora niña de seis añitos de edad. Margarita acepta con su mano el jarrito y nos observa con su candorosa mirada infantil. Un poco más a la derecha vemos a otra menina, Isabel de Velasco, que también muestra sus respetos mediante una suave reverencia. La siguiente es Maribárbola, enana macrocéfala de origen alemán, que también nos mira y, finalizando este plano, Nicolasillo Pertusato, que parece un niño pero también era un enano, bastante travieso por cierto, pues ya ves que le está dando una patada a un gran mastín tumbado en el suelo.

Un poco más atrás, a la izquierda, está el pintor Velázquez sujetando un pincel en la mano derecha y la paleta con los demás pinceles en la izquierda. Se está inspirando para pintar a los reyes y se ha representado a sí mismo muy elegante y como de cuarenta años cuando ya rondaba los cincuenta y siete. Delante de él está la parte posterior del lienzo sobre un caballete.

Ahora pasas a la zona derecha y, en un segundo plano, ves dos personajes: la dama Marcela Ulloa, “guarda menor de damas” y un caballero sin identificar que sería un sirviente de la corte y que tiene las manos juntas mientras escucha la conversación de la dama. Para marcar la distancia y el espacio, Velázquez los sitúa a ambos en penumbra y más abocetados que las meninas.

Al fondo, una puerta de madera con cuarterones se abre a una estancia posterior muy iluminada y José Nieto, aposentador de la corte, está en las escaleras, no sabemos si viene o se va. Lleva un sombrero en la mano y viste una elegante capa negra. La luz es de tal intensidad que hace brillar la escalera, la puerta y la persona de José Nieto.

Colgado en la pared ves un espejo que refleja la luz y donde el rey y la reina aparecen con un cortinaje rojo. No sabemos si están quietos posando para Velázquez o si entran en ese momento en la habitación.

La estancia es amplia y de techo alto, sería el estudio del pintor y por eso hay grandes cuadros por las paredes (identificados en la actualidad). Existen ventanas en la pared derecha y están alternativamente abiertas y cerradas lo que nos acentúa la sensación de profundidad y de atmósfera real. El gran tamaño de las figuras, casi natural, subraya aún más su presencia en un espacio muy creíble.

La tecnica....

Técnicamente el cuadro es insuperable. El conjunto de perspectivas utilizadas es único y produce un efecto “atmosférico” en el ambiente representado, como si el pintor hubiese pintado el aire entre las figuras. Vamos a analizarlo: la primera perspectiva que observas es la lineal, diversas líneas imaginarias o no (línea del techo-pared; cuadros colgados, el suelo) guían nuestra vista hacia el fondo y nos hacen creer en una fuerte tridimensionalidad. Este asombroso efecto se refuerza con un suelo neutro, de moqueta, que avanza hacia nuestra posición y, sobre todo, con unos espacios alternativamente iluminados y en penumbra que subrayan el efecto de alejamiento. La otra perspectiva es la aérea, la difuminación progresiva de los contornos y la degradación de las gamas tonales con el aumento de la distancia y el alejamiento. Como remate, Velázquez pone un agujero iluminado en el centro (la puerta abierta) que da a una estancia donde no vemos el fin, es decir, el cuadro tiene una perspectiva ilimitada.

Esta combinación de perspectiva aérea y lineal es lo que ha fascinado a todos, expertos o no, desde el siglo XVII.

La gama cromática empleada por Velázquez en esta obra es limitada y contenida, predominan los grises y los ocres, no obstante, aplica colores fuertes como el rojo fuego en pequeños detalles de la vestimenta de las niñas como lacitos, pasadores de pelo y adornos florales. De este modo rompe la monotonía de colores y atrae nuestra atención. La calidad de representación de las sedas brillantes con grises y blancos muy luminosos resultan de una belleza deslumbrante.

Lo que no se ve...

Por otra parte, el espejo es la burla espacial por antonomasia, nos engaña y confunde, crea espacios ilusorios y, si te colocas de espaldas y miras el cuadro con un espejito, te llevarás una sorpresa por el efecto fuertemente realista que produce. Cuando contemplas el cuadro directamente, tu vista es dirigida hacia el fondo y el espejo te devuelve la imagen. Así se crea una interrelación tan estrecha entre lo pintado y lo real que resulta difícil distinguirlos.

La aparente trivialidad del tema es también engañosa ya que Velázquez estuvo toda su vida reivindicando la superioridad de la pintura por encima de las actividades puramente artesanales entre las que estaba incluída; él consideraba la pintura como una actividad intelectual superior, cuyo momento importante no era el acto de pintar sino la idea, el concepto y el pensamiento previos al hecho mecánico de aplicar el óleo sobre el lienzo. En resúmen, la superioridad del artista sobre el artesano.

Otro mensaje es el futuro prometedor de la monarquía española, con la sucesión asegurada. La última lectura de la obra sería la relación de profunda amistad del pintor con el rey y la infanta , todos ellos aparecen representados en el mismo cuadro.

Por descubrir....

Existen detalles que te proponemos observar para que comprendas la excepcionalidad de este cuadro único. Fíjate en el perro, tan real que sólo le falta ladrar, o en la carita delicadísima de la infanta, o en el cabello de Nicolasillo, brillante y recién lavado, o en la prestancia y apostura de Velázquez con su cuidado bigote, su peinada melena y su esbeltez anatómica. O bien en los cuadros de la estancia, identificados como Minerva y Aracne (Rubens) y Apolo y Pan (Jordaens) y que vuelven a incidir en el tema de la superioridad de lo intelectual sobre lo manual.

Hay que señalar que la obsesión del pintor por demostrar la superioridad de la pintura sobre otras artes perseguía, entre otras cosas, la exención de impuestos.

Interesante es también el espejo iluminado (de bronce muy bruñido) y las ventanas laterales, una abierta en primer término, las tres siguientes cerradas y la última abierta.

La leyenda...

Un cuadro así no podía pasar desapercibido para la imaginación popular y el hecho que dio pie para inventar una bonita leyenda lo provocó la cruz de Santiago que lleva pintada Velázquez sobre su vestimenta. Sabemos que fue nombrado caballero de la Orden de Santiago a título póstumo en 1.660. eso significa que alguien se la pintó después de muerto en Las Meninas. Sería, según la tradición el propio rey Felipe IV, que, agradecido por los numerosos servicios de Velázquez como aposentador real y, sobre todo, como pintor, realizaría la cruz con su regia mano.

Video: 7:00 minutos

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Artemisia Gentileschi, primera mujer pintora en la historia. 6-10

Muchos datos interesantes de la obra de esta artista, me llamó la atención entre otros ser considerada en la actualidad la primera mujer pintora en la historia. la fuerza que plasmó en sus obras y el dramatismo en los rostros de las mujeres.

He buscado información acerca de ella y esto es lo que encontré:

Artemisia Gentileschi. (c.1593 -c.1651).

Artemisia Gentileschi es considerada en la actualidad como la primera mujer pintora en la historia. Fue una extraordinaria pintora muy apreciada en su época a pesar de lo cual, pocos años después de su muerte cayó inexplicablemente en el olvido, por lo cual, además de que no se le recuerda, su obra está desperdigada, mal guardada, ignorada y consecuentemente gran parte de ella destruida. Unicamente quedan 34 obras que se puede asegurar con certeza que pertenecen a ella.

Quizá una causa de este olvido fue la pérdida de interés por la pintura naturalista que ella representaba, mientras que en la época que siguió, gustaban las representaciones más idealizadas.


Es hija del pintor Orazio Gentileschi (c. 1562-1639), quien reconoce su coraje y talento y con quien se forma, en contacto con Caravaggio. Esta es la razón por la que se da un maduro tenebrismo en las obras de ambos, padre e hija.
Artemisa desarrolla sus cualidades artísticas frente a los esquematismos machistas (sociales y religiosos) de la época que intentan limitar su arte.

Su cuadro Judith decapitando a Holofernes, lo realizó cuando ella tenía 18 años . Artemisia no accede al conocimiento completo de la anatomía masculina más que a través del amor y de su tránsito hacia el acto sexual. Ella pierde su virginidad con el pintor Agostino Tassi (pintor de quadratturas)su maestro en el aprendizaje de la perspectiva. Su encuentro con él representa para la joven pintora una doble revelación: la de su sensibilidad artística y las pulsaciones de la creación. En ocasiones se comenta que Tassi se aprovechó sexualmente de Artemisa, hecho que la marcó fuertemente y es el motivo por el que en sus pinturas se hacen patentes las heroínas femeninas. Las mujeres que representa son de gran fuerza de espíritu, tanto si se enfrentan a la fuerza masculina, como si se presentan solitarias. Por eso, en otras ocasiones se comenta que se casó con Tassi pero el matrimonio duró poco tiempo, hecho que hizo que Artemisia viviese sola y tuviese la suficiente independencia como para viajar y realizar su obra.

Artemisia Gentileschi fue una de las pocas pintoras del periodo renacentista que pudo trabajar y vivir como artista.

Su obra se clasifica entre los caravaggistas: figuras monumentales, claroscuro y sentido dramático de la escena. Sus mejores cuadros corresponden a este estilo. También es visible en su obra la influencia de Miguel Angel. De su estancia en Venecia, los colores, el oro, también incorpora la atmósfera. Representó en numerosas obras la figura femenina con toda su verdad, ejecutaba representaciones históricas que tienen como protagonista a Judith, Lucrecia, Cleopatra etc. lejanas a los bellos estereotipos , sino presentando en su desnudez mujeres maduras, rotundas, con un gran realismo, mucho más logrado que el del resto de los pintores de su tiempo, que apenas representaban desnudos de mujer.

Misia, como la llamaba su padre, muere en Nápoles en 1653, a pesar de su reputación, destreza e importancia, poco se ha escrito sobre ella. Allí su estilo cambió hacia el clasicismo, como puede apreciarse en la obra David y Betsabé .

Con 34 pinturas de su autoría y otras que se cree fueron pintadas por ella, Artemisia Gentileschi, fue la primera mujer en pintar motivos o escenas religiosas, la primera mujer en ser admitida en la Academia de Arte de Florencia (1616), la primera mujer en ganarse la vida a través de la pintura, la primera y única mujer en adoptar el Caravagismo y, lo más importante, una de las grandes artistas del Barroco Italiano.

“Mis obras hablarán por mi” Artemisia Gentileschi
fuente: www.telepolis.com

Paseo por sus obras en video menos de 3 minutos:

Otro mas 2:50 minutos.

Sonrisa de la Mona Lisa, ¿una ilusión óptica? 5-10

Luego de estudiar los cambios de expresión de la Mona Lisa - basados en que la visión central tiene una más alta resolución que la visión periférica -, una neurobióloga de la Universidad de Harvard terminó con el misterio del retrato más famoso y la sonrisa más enigmática del mundo: Leonardo Da Vinci la habría pintado basándose en una ilusión óptica, usando de manera completamente intuitiva trucos que ahora comienzan a tener base científica.

Elisa se llamaba la mujer del marqués de Giocondo, un rico banquero florentino que pidió a Leonardo Da Vinci que pintara un retrato de su segunda señora, cuando ella tenía 30 años y una enigmática sonrisa. Según la historia, el cuadro nunca llegó a manos del marqués. Leonardo lo conservó por muchos años y lo retocó. Lo llevó consigo a París y allí ha permanecido hasta el día de hoy. Salvo un breve período, en que un italiano lo robó del Louvre, en un acto de reivindicación nacionalista. Pero Italia lo devolvió a Francia.

Y asi se convirtió en el retrato más famoso del mundo y en el más misterioso. Todo, gracias a Elisa, conocida como Mona Lisa o Gioconda. Su sonrisa, pintada por Leonardo Da Vinci, es la que realmente ha sido un misterio durante todo este tiempo; una sonrisa enigmática, tal vez la más enigmática del mundo.

Tanto así, que una investigadora de la Universidad de Harvard, Margaret Livingstone, se dedicó a estudiarla.

¿Qué descubrió?... que Leonardo Da Vinci pintó la sonrisa de la Mona Lisa basándose en una ilusión óptica y en los mecanismos de la visión. Sucede que la sonrisa de la Gioconda aparece y desaparece debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imágenes.

Así, cuando en el siglo XVI Leonardo Da Vinci pintó la Gioconda, logró el efecto de que la sonrisa de la Mona Lisa desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en las otras partes de cuadro.

Lo anterior, tomando en cuenta que los artistas llevan mucho más tiempo que los neurobiólogos estudiando los procesos visuales. En este caso, el artista creo esa ilusión usando de manera completamente "intuitiva" trucos que ahora comienzan a tener base científica.

Y la teoría de la investigadora se apoya en el hecho de que el ojo humano tiene una visión central, muy buena para reconocer los detalles, y otra periférica, mucho menos precisa, pero más adecuada para reconocer las sombras.

Da Vinci pintó la Gioconda usando sombras que vemos mucho mejor con nuestra visión periférica. Por eso, para ver sonreír a la Mona Lisa hay que mirarla a los ojos o a cualquier otra parte del cuadro, de manera que sus labios queden en el campo de visión periférica... ¿qué tal?.

Y luego de publicar su teoría sobre los cambios de expresión de la Mona Lisa, basados en que la visión central tiene una más alta resolución que la visión periférica, Livingstone ahora está estudiando por qué tantos genios de la pintura tenían alguna deficiencia visual.

Rembrandt por ejemplo, cuyo estrabismo reducía su capacidad para ver en tres dimensiones, según la autora pudo beneficiare con una pobre percepción de la profundidad, una ventaja en una profesión en la que el objetivo es plasmar el mundo tridimensional en un lienzo plano.

Los estudios de Livingstone, no intentan "desmitificar el arte" sino de explicar científicamente técnicas que los artistas usaron desde hace muchos años en base a la intuición.

Muy bien cuidada

En abril de este año quedó atrás el "vaya hacia allá, gire a la derecha, gire a la izquierda... y allí la encontrará". Lo anterior, para llegar hasta la Mona Lisa. Ahora se puede caminar directamente hacia ella y verla, apreciarla, mirarla por los costados, tratar de desentrañar su sonrisa, todo muy tranquilamente y sin aglomeraciones.

Porque la famosa Mona Lisa de Leonardo Da Vinci pasó de la pequeña Sala Rosa del Louvre a una más amplia y renovada, la "Sala de los Estados", una galería que sirvió como cámara de debate parlamentario hasta el año 1870, y que fue sometida a una renovación de cuatro años y ¡6,1 millones de dólares!, a cargo del arquitecto peruano Lorenzo Piqueras.

Se trata de una sala muchísimo más amplia que la anterior, tal como se lo merecía la Gioconda. Mide 840 metros cuadrados, con más espacio para recibir a las ¡6 millones de personas! que visitan el museo cada año, evitando así las aglomeraciones que se producían frente a esta obra maestra.

En ese mismo lugar se exponen otros cincuenta cuadros de pintores del siglo XVI, incluyendo la pintura más grande del museo: "La Fiesta de Bodas de Cana", de Veronesi, con 6,77 metros de altura por 9,94 metros de largo. Ocupa el muro opuesto - a 28 metros de distancia - al de mármol beige que utiliza la Gioconda.

La Mona Lisa ocupa 200 metros cuadrados exclusivos al norte de la sala, y está protegida por un vidrio irrompible y no degradable (de cristal blindado), de 40 milímetros de espesor, cuya superficie ha sido tratada especialmente para evitar reflejos.

Está cerrada herméticamente, mantiene la temperatura y la cantidad de vapor de agua contenida en el aire a los niveles constantes de 20 grados y 50% de humedad relativa, protegida del frío, el calor y la respiración de aquellos seis millones de visitantes anuales.

Además, este habitáculo está conectado permanentemente a un servicio de seguridad. Una renovada cristalería, a trece metros del suelo, permite una iluminación de características similares a la luz natural, con lo que se pueden contemplar las telas en las mejores condiciones de iluminación.

Por encargo

El cliente que encargó el famoso cuadro habría sido el banquero napolitano Francesco di Bartolommeo di Zanobi, marqués de Giocondo (1460 - 1528), quien se casó con "Mona Lisa" (Madonna Elisa, señora Elisa), hija del napolitano Antonio María di Noldo Gherardini, en el año 1495.

Leonardo pintó el cuadro entre 1503 y 1506 y lo llevó a Francia en 1517. Se encuentra en el Louvre desde 1804. Al parecer, nunca estuvo en posesión de la familia Giocondo. Se sabe que pasó a manos del rey francés Francisco I, aunque no está claro si en 1517, antes de la muerte del artista, o con posterioridad a su fallecimiento en 1519.

Sí está comprobado que permaneció en las colecciones reales francesas y que en el siglo XIX Napoleón Bonaparte lo tenía muy bien guardado.

Se trata de un cuadro que nunca ha sido tasado, y que fue robado del museo el 21 de agosto de 1911 por el pintor italiano Vicenzo Perrugia, quien alegó "patriotismo". Fue recuperado en Italia dos años más tarde.

Sobre un fondo de paisaje vaporoso, donde se resalta la figura de esta mujer, cuya enigmática sonrisa constituye lo más atractivo del cuadro en el cual Da Vinci consiguió su más alta aspiración: plasmar el alma humana.

Está considerado como el retrato pintado más famoso de la historia, y tal vez el cuadro más famoso de la pintura occidental, aunque los expertos dicen que no por ello es el mejor. Es más, ni siquiera ocupa un puesto entre los 10 o 20 mejores.

Fue la última gran obra de Leonardo Da Vinci, tomando en cuenta que continuó retocándola hasta sus últimos años. Pero fue pintado en la época de más fama y popularidad del artista, época en que son varios los retratos que le piden realizar.

Teorías y verdades sobre la Gioconda

- Por lo general la Mona Lisa es retirada de su vitrina una vez al año, para que los expertos puedan comprobar su grado de deterioro.

- Es una de las obras más visitadas de todo el museo.

- Se trata de un óleo sobre tabla de álamo, de 77 x 53 centímetros.

- Como telón de fondo para la Mona Lisa, aparece un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo Da Vinci pudo alcanzar a ver en Los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán.

- Todos los datos que se tienen de los personajes de la familia Giocondo se han obtenido a partir de los documentos de Giorgio Vasari (1511 - 1574), que escribió sobre la vida de los principales artistas de la época.

- Vasari dice que Leonardo empleó en la elaboración del retrato unos cuatro años. Además, dice que Madonna Elisa tenía unos 30 años cuando posó para el retrato, y que era la segunda mujer del marqués de Giocondo.

- Existen eruditos que piensan que se trata de la española Constanza de Ávalos; otros que la identifican con una amante de Giuliano de Medicis, e incluso otros afirman que se trata de un retrato de Francesco del Giocondo o un autoretrato del propio Leonardo Da Vinci.

- Los críticos actuales confirman que es un bello retrato de mujer, y aseguran que lo mejor del cuadro son las manos y la enigmática sonrisa.

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imagenes entretenidas de la mona lisa

monalisa4all

Los secretos de las obras de arte 4-10

El Matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck fechado en 1434.

Una pareja vestida de manera aristocrática y lujosa en una estrecha habitación burguesa, en la que hay chanclas y zuecos dispersos aquí y allá la cola artisticamente doblada reposa sobre el suelo de madera y no sobre las relucientes baldosas de mármol de un palacio; muchas cosas en este cuadro parecen contradictorias.

Para empezar la clase se planteo la diferencia entre aristocracia y burguesía partiendo de ese punto iniciamos el análisis y de esa manera se fue interpretando la obra.

Detalles interesantes y como siempre importantes, considerar el momento histórico en que la obra se realizo, como se vivía en ese tiempo y cuales eran las costumbres; es para mi, especialmente interesante contrastar el momento en que pinto el cuadro y las costumbres actuales en el mundo occidental, especialmente la sociedad en donde me toca vivir.

De esa manera los detalles que el autor pinta toman especial relevancia como por ejemplo:

• la posición de las manos
  
• el espejo, poca gente podía tener un espejo era muy costosos
  
• los zuecos y quienes usaban ese tipo de calzado
  
• las chanclas
  
• la araña con una sola vela encendida se puede interpretar como la presencia de Dios
  
• la ventana con vidrios en la parte superior pocas común el uso de vidrios, refleja poder económico
  
• el rosario colgado al fondo a un lado del espejo, religiosidad sin embargo diferente a los actuales
  
• el vestido de ella, seguramente pesaba mucho y necesitaba ayuda para ponérselo
  
• la fruta en el mueble a la izquierda, frutos exóticos probablemente provenientes de España o Portugal y no de wallmart
  
• la cama al fondo, intimidad
  
• el reflejo en el espejo aumenta la visión del cuadro 200 años antes que velazquez realizara las Meninas
  
• los personajes reflejados en el espejo testigos del enlace
  
• la alfombra traídas desde muy lejos poder económico
  
• la firma del autor por su ubicación y texto firma como testigo de el enlace matrimonial
  
• el perro símbolo de fidelidad

estos son algunos de los detalles que recuerdo de nuestra clase-charla, en la web hay miles de sitios con mas información acerca de la obra y del autor, de su estilo y del momento incluso en youtube existen vídeos a continuación un vídeo de 1:47 minutos

Segunda parte: 3:30 min

Los secretos de las obras de arte 3-10

La tercera entrega de el taller se enfoco a la edad media revisando costumbres arquitectura leyendas y la obra de arte que analizamos fue ron las ilustraciones de la obra de tipo religioso llamada Las muy ricas horas del Duque de Berry en donde las ilustarciones fueron relaizadas por los Hermanos Limbourg famosos pintores miaturistas de la época medieval el texto fue ordenado por el duque de Berry

Desde la wikkipedia

El Très Riches Heures du Duc de Berry (o simplemente el Très Riches Heures) es un Libro de Horas, puramente decorado, conteniendo plegarias para ser recitadas por los fieles laicos en cada una de las horas canónicas del día. Se conserva actualmente en el Museo Condé de Chantilly (Francia).

Es probablemente el manuscrito ilustrado más importante del siglo XV, «le roi des manuscrits enluminés» («el rey de los manuscritos ilustrados»). Fue encargado por Jean, duque de Berry, alrededor de 1410 y realizado por el taller de los hermanos Limbourg.

El Très Riches Heures comprende 416 páginas, de las cuales la mitad están completamente ilustradas, siendo consideradas unas de las mejores representaciones de la pintura Gótica Internacional, a pesar de su pequeño tamaño. Tiene también trescientas letras capitales.

Aparte de las ilustraciones de salmos, destaca su calendario, con representaciones de los distintos meses del año y las labores, generalmente agrícolas, que en cada uno de ellos se realizaban

De los autores se dice….

Las muy ricas horas del duque de Berry: Junio (1412-16)
Iluminación sobre vellum, 22,5 x 13,6 cm

Los Hermanos Limbourg, o en holandés Gebroeders van Limburg (Herman, Paul, y Johan; 1385..1416), fueron unos famosos pintores miniaturistas de la época medieval, de la ciudad de Nimega. Se encontraban activos a principios del siglo XV en Francia. Son conocidos sobre todo por el manuscrito iluminado de Las muy ricas horas del duque de Berry.

Su abuelo llamado Johannes de Lymborgh probablemente provenía de Limbourg sobre el Mosa en Nimega, entonces capital del ducado de Güeldres. Su hijo Arnold fue un buen ebanista que trabajó en la corte ducal. Sobre 1385 se casó con Mechteld Maelwael, hija de una familia de pintores heráldicos. Herman (Hermant en fuentes francesas) fue el hijo mayor (nacido sobre 1385), seguido por Paul (Polleke; o Polequin en fuentes francesas: 1386 o 1387), y Johan (Johanneke; o Jacquemin, Gillequin, o Jehanequin en fuentes francesas: probablemente en 1388). Tenían hermanos más jóvenes, Rutger y Arnold, y una hermana, Greta.

Sobre 1398, después de la muerte de su padre, su madre los envió a su hermano Johan Maelwael (Jehan Maleuel en fuentes francesas), un pintor heráldico que trabajó para las cortes francesa y borgoñona. Herman y Johan aprendieron el arte de la orfebrería en París. A finales de 1399 regresaron de visita a Nimega, pero debido a la guerra fueron capturados en bruselas. Su madre no pudo pagar el rescate de 55 escudos de oro. La guilda local de orfebres comenzó a recoger dinero pero con el tiempo Felipe II de Borgoña pagó el rescate en beneficio de su tío, su pintor; los dos jóvenes fueron liberados en mayo de 1400.

De los documentos que se conservan se sabe que en febrero de 1402 Paul y Johan fueron contratados por Felipe para trabajar durante cuatro años exclusivamente en la tarea de iluminar una biblia. Puede que sea la Bible Moralisée, Ms.fr.166 en la Biblioteca Nacional de Francia en París, o puede que no lo sea; es indiscutible que es un trabajo temprano de los hermanos Limbourg. Felipe murió en 1404, antes de que los hermanos completasen su obra.

Herman, Paul, y Johan a finales de 1404 fueron a trabajar con Juan I de Berry, hermano del muerto Felipe. Era un extravagante coleccionista de obras artísticas y especialmente libros. Su primer encargo fue iluminar un Libro de Horas, hoy conocido como Belles Heures du Duc de Berry. La parte más antigua de este libro fue realizada por Jean Noir, discípulo de Pucelle, entre 1372 y 1375; luego siguió Jacquemart de Hesdin. Los hermanos Limbourg lo continuaron y acabaron. Hoy se conserva en The Cloisters del Metropolitan Museum of Art en Nueva York.

La obra fue finalizada en 1409 para gran satisfacción del duque, que entonces les encargó un proyecto más ambicioso, que serían Las muy ricas horas del duque de Berry (Très Riches Heures du Duc de Berry), que es considerado en general como la última gran iluminación medieval y posiblemente el libro más valioso del mundo. Se conserva como Ms.65 en el Museo Condé en Chantilly, Francia.

Paul en especial tenía buenas relaciones con el duque, quien le nombró valet de chambre (criado personal). El duque le dio joyas y una gran casa en Bourges. Paul se enamoró de una joven, Gillette la Mercière, pero sus padres lo desaprobaban. El duque hizo apresar a la joven, y sólo la liberó por orden del rey. En 1411 Paul y Gillette se casaron de todas formas, pero el matrimonio no tuvo hijos (la chica tenía 12 años entonces, y su marido 24).

En la primera mitad de 1416, Jean de Berry y los tres hermanos Limbourg (los tres de menos de 30 años de edad) murieron por causas desconocidas y Las muy ricas horas del duque de Berry quedaron inacabadas. Un artista sin identificar (posiblemente Barthélemy van Eyck) trabajó en las famosas miniaturas del calendario en los años 1440 cuando el libro aparentemente estaba en posesión de Renato I de Nápoles, y en 1485 Jean Colombe acabó la obra para la Casa de Saboya.

La obra de los hermanos Limbourg, siendo en su mayor parte inaccesible, se olvidó hasta el siglo XIX. No obstante, establecieron un ejemplo para las siguientes generaciones de pintores, que prolongaron el arte de la miniatura. Trabajaron dentro de la tradición del Norte de Europa, pero muestran influencias de modelos italianos.

para finalizar disfrutamos de este video estupendo de rostros de mujeres en las obras de arte

aqui otra explicacion acerca de la obra

"Las muy ricas horas" del Duque de Berry

Juan I de Berry (1340, Vincennes - 1416, París) fue un príncipe francés, duque de Berry en 1360, de la corte de los Valois. Su padre era el rey Juan II el Bueno y tuvo por hermano, entre otros, a Carlos V, el futuro rey de Francia. Fue heredero del ducado de Berry y, por matrimonio, heredó el título de conde de Auvernia y el de conde de Montpensier.

Más que su vida lo que me interesa es su relación con las artes. Él fue, al igual que otro de sus hermanos, Felipe II duque de Borgoña, un gran mecenas de las artes. Tuvo predilección por los manuscritos ricamente iluminados (esto es, con dibujos) muy apreciados en todas las cortes. En ellos participaban los pintores más prestigiosos de la época y se utilizaban los materiales más caros (oro, púrpura...) por lo que su valor era incalculable.
A parte de esto, también tenía numerosos palacios entre los que se cuenta el de "Mehun-sur-Yevre", ahora desaparecido, pero que parece ser que está representado en una de las miniaturas de algun manuscrito.
un poco mas ....http://ayoungknighttravel.blogspot.com