Mostrando entradas con la etiqueta cine. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta cine. Mostrar todas las entradas

jueves, 4 de agosto de 2011

El encanto del erizo

El fin de semana pasado cayó en mis manos esta deliciosa película, tan solo por las imágenes de París me resultaba atractiva la portada, en el primer intento de verla el reproductor falló y apesar de estar acostumbrado a escuchar acento del español de la península en el caso de las traducciones de cine algo hacen que generalmente es nefasto, en el segundo intento mi reproductor de DVD  si me permitió verla y escucharla en su sonido original y con subtitulos  la obra es muy buena, el ritmo suave en que se van sucediendo las historias de los habitantes de un edificio típico de cualquier barrio de París me fué envolviendo entre lentamente como en un caracol y sin darme cuenta no pudé apartar mi atención

Busqué información acerca de la película y descubrí que se presento en México el año pasado en el tour de cine francés  al parecer con muy buena respuesta les comparto una nota publicada en La Jornada el año pasado y les dejo el comercial.







De las películas seleccionadas para el 14 Tour de Cine Francés, destaca el primer largometraje de la realizadora Mona Achache, El encanto del erizo (Le hérisson), basada en la exitosa novela de Muriel Barbery, La elegancia del erizo. El título alude al carácter hosco, aparentemente intratable, de una típica portera parisina, personaje pintoresco que Roman Polanski capturara memorablemente en El inquilino, su película de suspenso de 1976. Lo que hoy intenta la comedia romántica de Achache es reconciliar al espectador con ese tipo de porteras parisinas, mostrando que los energúmenos insufribles pueden esconder bajo su caparazón de espinas, una personalidad entrañable. El método para lograrlo consiste en revitalizar la comedia urbana que con tanto éxito ensayara el director galo Cédric Klapisch, particularmente en la película Chloé busca a su gato (Chacun cherche son chat, 1996). Pero lo que en aquella cinta era una pequeña anécdota que servía de pretexto para lanzar a varios personajes al lúdico recorrido de un barrio popular, hoy se vuelve exploración de un microcosmos burgués enclavado en un barrio elegante de París.
El edificio en que vive la joven Paloma (Garance Le Guillermic, 11 años, alma de filósofa, temprana vocación de suicida) es tan ostentosamente convencional y tan conservador en sus manías de urbanidad, que parece concentrar varias décadas de una tradición rancia. Mucho más de lo que la sensible y perspicaz Paloma puede soportar. Habiendo planeado poner fin a los 12 años a una existencia sin alicientes ni sentido, la joven tendrá su prueba de fuego existencial al entrar en contacto amistoso con Renée (Josiane Balasko), una portera malhumorada, lectora voraz de Tolstoi, y con un impecable inquilino japonés, Kakuro Ozu (Togo Igawa), quienes paulatinamente, y casi sin proponérselo, contribuirán vigorosamente a la educación sentimental de Paloma.
El encanto del erizo ofrece en su trama sencilla la materia y sustancia de un cuento moral. Cuidadosamente evita el trazo grueso de la comedia urbana (El destino fabuloso de Amélie Poulain,Jean Pierre Jeunet, 2001), y sus detalles surrealistas y su fresco social tan nostálgico de las añejas virtudes de la Francia profunda, para concentrarse de modo muy fresco y muy distinto en tres personajes cuyos destinos se entrecruzan en tres niveles de un mismo edificio, confundiendo nacionalidades y clases sociales en un sutil comentario social. La portera Renée se ha integrado de modo radical al inmobiliario que cuida celosa y metódicamente. Luego de la pérdida de su esposo, ausencia que nadie en el edificio llega a notar o a echar de menos, la viuda naufraga en la desazón moral y el completo desaliño de su persona. Ella es un ser tan práctico para el funcionamiento del edificio como prescindible socialmente: una persona-objeto, un accesorio más del inmobiliario que la gente cruza sin tomar en cuenta. Renée vive así enclaustrada en su minúsculo apartamento de portera, rodeada de una biblioteca secreta, acompañada de un gato fiel y perezoso.
La cinta describe el encuentro de la inteligentísima niña suicida y la empleada autodidacta y misteriosa, un encuentro propiciado por un japonés seductor y maduro que guarda la clave de una posible liberación venturosa. ¿Cómo se relacionan estos personajes? ¿De qué manera triunfa el gusto por el arte y la literatura sobre la indolencia, el fatalismo y una bajísima autoestima? Josiane Balasko, experimentada humorista del grupo parisino Le Splendid en los años 80, también protagonista, guionista y realizadora de La amante de mi mujer(Gazon maudit, 2005), una de sus múltiples comedias populares con que quiso rivalizar con el sarcasmo provocador de Bertrand Blier (Les valseuses, 1974), da un giro importante en su carrera artística con esta vigorosa interpretación de Renée, la portera espiritualmente extraviada en su minúscula conserjería de planta baja. El resultado es atractivo: una película melancólica, cargada de humor y de ironía, sobre el presentimiento y significado de la muerte, las revelaciones sorprendentes de una existencia gris, y los talentos celosamente resguardados que protegen de la mezquindad moral.







































lunes, 20 de abril de 2009

Malena


Dirección: Giuseppe Tornatore.
Paises:
Italia/USA.
Año: 2000.
Duración: 105 min.
Interpretación: Monica Bellucci (Malena Scordia), Giuseppe Sulfaro (Renato Amoroso), Luciano Federico (padre de Renato), Matilde Piana (madre de Renato), Pietro Notarianni (profesor Bonsignore), Gaetano Aronica (Nino Scordia), Gilberto Idonea (abogado Centorbi), Angel Pellegrino (secretario político), Gabriella Di Luzio (amante del barón).
Guión: Giuseppe Tornatore; basado en una historia de Luciano Vincenzoni.
Producción: Harvey Weinstein y Carlo Bernasconi.
Música: Ennio Morricone.
Fotografía: Lajos Koltai.
Montaje: Massimo Quaglia.
Diseño de producción: Francesco Frigeri.
Vestuario: Maurizio Millenotti.
Decorados: Bruno Cesari.
Dirección de producción: Marco Olivieri.

NOTAS DE PRODUCCIÓN

Aunque escrita e interpretada en italiano, la lengua materna de Giuseppe Tornatore, se realizó un esfuerzo adicional para poder transmitir toda la esencia de Malena al público americano realizando una traducción especial de los subtítulos, con la ayuda de dos artistas muy versados en la interpretación artística y en las sensibilidades cinematográficas americanas: el guionista y director Anthony Minghella (El paciente inglés, El talento de Mr. Ripley) y el guionista Joseph Tropiano (Big Night). Siguiendo una magnífica tradición (la traducción de Anthony Burgess de Cyrano De Bergerac y la de Paul Mazursky para Fellini) de hacer llegar las películas en lenguas extranjeras a unas audiencias más amplias, su trabajo ha añadido una capa extra de poesía a una película ya de por si bella.

"Fue un verdadero privilegio trabajar con un director tan eminente como Anthony Minghella, y un guionista como Joe Tropiano en esta tarea vital para la película," dice Tornatore. "Hoy en día, los subtítulos sólo se miran con ojos técnicos, y me complace tener la oportunidad de trabajar con unos artistas tan grandes y poder hacer llegar todo el humor y las sutilezas de Malena a público de todo el mundo."

Malena, empezó a tomar forma en la mente de Giuseppe Tornatore poco después de que finalizara Cinema Paradiso (Cinema Paradiso), su oda al hecho de criarse con el cine, que le llevó a ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera. Encontró la evocativa historia de Malena y Renato en un relato corto escrito por el veterano guionista Luciano Vincenzoni, que ha escrito más de 100 filmes, incluyendo varios clásicos de Sergio Leone. Vincenzoni había fraguado la historia tipo fábula de Malena a partir de sus propios recuerdos de una mujer que alteró totalmente su pequeño pueblo italiano durante la Segunda Guerra Mundial, una mujer cuyos devastadores encantos y efectos nunca podría olvidar.

fuente:http://www.labutaca.net/51berlinale/malena.htm

miércoles, 25 de marzo de 2009

la gloire de mon pere, recuerdos de infancia



La Gloire de mon pere se proyecto ayer en el cine club de la alianza francesa dentro del ciclo dedicado a escritores franceses.


La historia trata principalmente de las vacaciones de un niño con su familia a principios del siglo pasado en la provincia francesa, una familia de clase media que se va de vacaciones a una casa de campo, es un película sencilla sin situaciones complejas, cuenta pasajes de la historia de una familia y como se fue conformando.

El director invita al espectador a sumergirse en las aguas tranquilas y alegres de la infancia, a recordar los detalles de nuestra infancia nos plantea la visión de un niño como todos alguna vez lo hemos sido y las pequeñas, grandes aventuras y diversiones.

Intentar escribir sobre esta película me lleva a recordar mi vacaciones de la infancia cuando regresaba a Guadalajara durante los meses de julio y agosto a encontrarme con mis tíos: Joaquín y Gustavo, mis tías: Maricruz, Aurora y Gina, Mi abuelita y sus lonches de frijoles riquísimos, con el conejo que estaba en la azotea de la casa y que cada mañana le traían del mercado un manojo de alfalfa que lo devoraba en pocos minutos: el conejo llego a casa de mi abuelita importado del DF en unas vacaciones que regresamos mi hermano y yo, el se lo trajo a mi abuelita por que en México no lo podíamos tener se lo había regalado el conserje de la escuela y para él era como un hijo

Recuerdo del árbol gigantesco que estaba en la banqueta de la casa, era tan grande que se necesitaban de por lo menos cuatro personas para abrazarlo, recuerdo que desde lejos se veía la copa del árbol era el más alto de toda la Colonia Moderna, un eucalipto gigantesco de por lo menos 70 metros de altura al que todo mundo temía que un día en las tormentas del verano lo verían caer aplastando varios autos muchos querían derribarlo por peligroso pero mi abuelita nunca dio permiso el árbol estaba muy cerca del viejo pozo de agua de la casa creo que nunca le falto agua.

Recordé como en el verano de 78 organizamos un torneo de fútbol en la calles de la colonia, con el pretexto del mundial que en esos años se celebro en Argentina; las calles de mi colonia tenían los nombres de diferentes países de esa manera se organizaron las selecciones de España, Suiza, Argentina, Polonia, Alemania, Bélgica y Rayón nombre de una calle que atravesaba la colonia y en la que vivían mucho niños adolecentes; en esos días de verano, de vacaciones largas como le llamábamos a la temporada, de tormentas en las tardes con árboles caídos y calles inundadas conocí algunos de mis mejores amigos de la infancia y de los cuales sigo conservando la amistad

Todo esto y un poco mas son los recuerdos que me provoco la gloire de mon pere película sencilla de rara belleza.






enlace pelicula :www.imdb.com

viernes, 13 de marzo de 2009

Ni uno menos....mundos paralelos


NI UNO MENOS
(Yi Ge Dou Bu Neng Shao)

China, 1999


Dirigida por Zhang Yimou, con Minzhi Wei, Huike Zang, Zhenda Tian, Fanfan Li, Yuying Feng, Enman Gao.



Zhang Yimou sabe filmar muy bien, es talentoso, y en Ni uno menos eso se nota. Lo que también se nota es la tendencia de este director a hacer cada vez más cosas a la manera del show business occidental. Que es la manera de la casta gobernante en China, o cuanto menos empalma perfectamente con sus conveniencias. Las concesiones de Ni uno menos no son muchas, pero sí groseras, y le bajan el promedio a una –por lo demás– muy buena película.

Muy buena es, por ejemplo, la pintura de esa escuelita rural con una sola aula, y cuyo presupuesto alcanza apenas para una tiza diaria. Esa escuela es virtualmente fronteriza, no porque limite con otro país sino con otro lugar –parece erigida literalmente "en el medio de la nada"– y con otro tiempo, un pasado con el que solemos asociar ciertas privaciones presuntamente superadas por el mundo en el que nos tocó nacer. Ni uno menos nos recuerda que no; nos muestra la otra cara (una de las otras caras) del "milagro chino" del que básicamente conocemos tijeritas, encendedores, fundas para controles remoto y alguna motoneta. En este sentido, Ni uno menos tiene un valor histórico-didáctico, pero no se limita a él. El manejo diestro de la puesta en escena, la cámara y los tiempos le permite a Yimou (Ju Dou, Sorgo rojo) ponernos poderosamente en situación. En otras palabras, estamos ahí. ¿Pero qué pasa ahí?

Pasa que el maestro titular se fue de viaje y una muchachita de 13 años viene a hacerse cargo de las clases. La formación de la pequeña reemplazante es nula; sus aptitudes académicas, inexistentes. Minzhi Wei es lo que hay. Lo suyo son las ganas, el empuje y, sobre todo, una necesidad tan acuciante como la de todas esas almas que la rodean. Le han prometido 50 yuans si, al regresar el titular, le devuelve el aula con la misma cantidad de alumnos que recibió ("ni uno menos", por supuesto, es la frase textual que le dice al irse). Y Wei hará todo lo posible, aunque ello implique emprender su propio viaje a la ciudad para recuperar a un niño que desertó buscando allí, en la gigantesca urbe, el pan que a su familia de provincias le escasea.

Si el grupito de educandos es mayormente irresistible, esta maestrita que apenas los dobla en edad es quien se lleva todas las palmas. Minzhi Wei (que no es actriz profesional, y lo mismo sucede con casi todos los otros) cumple de maravillas con la doble tarea que le tocó en suerte: reflejar el desamparo y la debilidad de una niña que se asoma a una tarea para la que nadie la preparó y, al mismo tiempo, la fortaleza –esencialmente de carácter– que la empuja a seguir adelante contra viento y marea. Eso emociona. El pequeño desertor también tiene lo suyo, aunque no pasa tanto por su actuación como por su función. Al principio, Zang es tan inmanejable y revoltoso que no sólo se gana el odio de la maestra sino el del público, ya plenamente identificado con ella. Una vez en la ciudad, cuando deambula como un zombie con las manos vacías y la cara sucia, más solo que un perro, la "carga de la prueba" se invierte y no podemos menos que vagar con él, sufrir por él, palpitar a su lado. Para entonces, Wei ya habrá puesto los pies en esa misma urbe, dispuesta a patear todas las calles y a tocar todas las puertas (hace gala de una tozudez poco vista en el mundo y en el cine) hasta dar con el pequeño.

Para costearse el pasaje de ida y vuelta a la ciudad, la maestra y sus alumnos se ponen a apilar ladrillos en una fábrica vecina. Cuando sacan cuentas surge un dato de la "China comunista" que hubiera espantado al mismísimo Carlos Marx: un viaje en ómnibus de unas pocas horas cuesta tanto como... ¡cuatro jornadas de trabajo de veinte obreros! Por lo demás, el retrato de la metrópolis es casi tan realista como el del pueblito y, de suyo, bastante más sórdido. Todo está bastante bien. Tanto que si Ni uno menos se hubiera ahorrado los últimos quince o veinte minutos sería un film calurosamente recomendable. Pero qué va. En esos minutos se gesta uno de los más forzados happy endings de la historia reciente. Que no sólo le lava la cara a esta China descaradamente capitalista (por no decir esclavista) sino a una de las instituciones más hipócritamente comprometidas con el estado de las cosas: la televisión oficial. De paso, claro, Yimou queda muy bien parado ante Hollywood, que siempre entendió que el mundo está lo suficientemente bien como para que ninguna película termine demasiado mal.

Guillermo Ravaschino
Via: www.cineismo.com
sitio oficial www.sonypictures.com/classics/notoneless/

jueves, 12 de marzo de 2009

La duda, excelente pelicula

La duda - Crítica por Carlos Giacomelli

La dudaDieciocho años después de su última (y primera) película como director, "Joe Contra el Volcán", John Patrick Shanley adapta su propia obra valedora de un Pulitzer y un Toni, "La Duda", que cuenta con con sendas nominaciones tanto para su guión como para la práctica totalidad de su reparto, encabezado por Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman y Amy Adams.

El padre Flynn está tratando de cambiar las estrictas normas del colegio de la parroquia de San Nicolás, que durante años han sido fieramente salvaguardadas por la hermana Aloysius Beauvier, una directora con mano de hierro que cree firmemente en el poder de la disciplina.
Vientos de cambio político están barriendo la comunidad, y de hecho el colegio ha aceptado a su primer alumno negro, Donald Miller. Pero cuando la hermana James, una inocente profesora, le comenta a la hermana Aloysius sus sospechas acerca de la "excesiva atención" del padre Flynn hacia Donald, la superiora comienza una cruzada personal para sacar a la luz la verdad... Sin una sola prueba aparte de su convicción moral.

La traslación a la gran pantalla de una obra teatral nunca deja de resultar interesante. Acostumbrados a artificios propios del cine (y en especial del comercial norteamericano, que puebla como mínimo el 90% de carteleras semana tras semana), de vez en cuando nunca está de más que despunte una cinta basada (casi) únicamente en el guión y la interpretación.

Si hay una cinta que resulte especialmente significativa en este aspecto, esa es "La Duda", en la que tales características adoptan su máxima expresión de manera aplastante, hasta el punto de estar dividida en cinco o seis actos a lo sumo (obviando secuencias de unión entre uno y otro), en los que la acción no sale nunca de las cuatro paredes en que se ubica.

La duda

Queda claro por tanto, que lo único que importa a director y espectador es la recitación de sus actores, y no por nada "La Duda" cuenta con dos de los mejores del momento, en estado de gracia por si fuera poco.
Tanto Philip Seymour Hoffman como Meryl Streep, y todos los que les rodean (con especial hincapié a una sorprendente Amy Adams a quien habrá que seguir más de cerca) se enfrascan en sus complicados roles de manera natural y realista, convirtiendo todos y cada uno de sus diálogos en auténticas obras de arte de la actuación. Véase como ejemplo la (larguísima) secuencia en la que se reúnen los tres principales en el despacho de la directora, con constantes cambios de matices y tonos que van asumiendo por turnos de manera totalmente sobrecogedora, como si sólo ellos podían haber tomado parte en esta película.

Película que, por cierto, se antoja sumamente complicada de digerir debido a su argumento y su postura. Ambientada al poco tiempo del fallecimiento de JFK, "La Duda" propone un enfrentamiento entre dos posturas (una conformista y otra más abierta de horizontes) de la Iglesia, criticando una de las dos en particular (que no diremos para no desvelar el final del film) pero sin olvidarse de lanzar algún puñalada a la otra. Y aunque pudiera parecer una trama completamente ajena para el espectador ateo, lo cierto es que sirviéndose de la fe cristiana Shanley aprovecha para retratar a la sociedad (de antes y de ahora) y su comportamiento ante cambios inevitables y de difícil aceptación.

La duda

Con todo, cabe resaltar en el debe de la película una excesiva apatía general más allá de su reparto, que si bien buscada, no deja de suponer un duro bache para el espectador al flirtear con el tedio en más de una ocasión. Hasta la música (de Howard Shore) se limita a apariciones meramente testimoniales, aupando la sensación de lentitud y pesadumbre en ocasiones excesiva hasta para el más voluntarioso.

Sin ser, por tanto, una película redonda, "La Duda" es ante todo una gran muestra de lo que puede dar de sí una Buena Actuación (en mayúsculas), pues todos sus actores, niños incluidos, están simplemente perfectos.
Sin embargo, su difícil ritmo y estructura completamente alejada de los cánones cinematográficos la convierten en una cinta difícilmente aconsejable, válida sólo para los que acepten sus condiciones de antemano. De ser así, no cabe duda de que se disfrutará enteramente, pero no está de más plantearse hasta qué punto tienen razón de ser (comercialmente hablando) tales mixturas entre cine y teatro, géneros de tan natural fusión a priori como quizás irreconciliables en algunos casos.

Carlos Giacomelli - La casa de los horrores


viernes, 27 de febrero de 2009

OSCAR 2009: MIRAR A LOS OTROS



Luis García Orso, SJ.

Las películas seleccionadas para los premios Oscar del año pasado 2008 nos reflejaban crudamente una sociedad donde imperan la violencia y el poder económico, el crimen y la corrupción, la degradación moral. O mejor decir una sociedad sin moral. Una nación “sin lugar para los débiles”, para los pobres, para lo que buscan justicia, honestidad, verdad…Así vimos Petróleo sangriento, Sin lugar para los débiles, En el valle de las sombras, entre otras.

Ahora, para los Oscar 2009, los realizadores cinematográficos han querido reaccionar y proponer algunas esperanzas, quizás animados por el final de la era Bush. El camino cinematográfico que han tomado es contar historias y ficciones que nos hagan mirar a los otros, a los diferentes, a los que no están tan cerca de mí. Y así las principales películas de este año tienen como protagonistas a niños huérfanos, niños de la calle, ancianos, inmigrantes, homosexuales, madres de raza negra, trabajadores de limpieza…

Viene aquí la presentación de algunas de estás historias.

Quisiera ser millonario (Slumdog Millionaire) de Danny Boyle, apela a lo más noble, más bello y más poderoso que hay en el corazón de todo ser humano, y que está ahí como fuerza espiritual y como esperanza, más allá de toda condición económica y social, pero que brilla esplendorosa en los pobres; como en Jamal, el joven protagonista, nacido y criado en las calles miserables de Mumbai, y quien junto con su hermano y una niña salen adelante en la vida con el tesón cariñoso de “tres mosqueteros”. La historia que vamos conociendo a través de un concurso televisivo atrapa y anima todo los corazones, y lo hace a través de un jovencito que se sabe las respuestas que la vida le ha dado y que cree y espera por encima de todo, porque hay algo que vale más que veinte millones de rupias. Slumdog Millionaire tiene la chispa y la magia del cine, como pocas películas, y ocho premios Oscar.

El curioso caso de Benjamín Button es una fábula que tiene como protagonista a un niño que nace con el aspecto de un anciano y que muere siendo físicamente un bebé. Un cuento corto de F. Scott Fitzgerald se convierte por David Fincher en una fábula cinematográfica, llena de pequeños detalles y de símbolos, que como toda fábula tiene mucho de lirismo, fantasía, imaginación, mensaje, y que invita a la aceptación de las diferencias de edad, raza, color, religión, identidad; a la aceptación de la vida y su destino, de la salud y la muerte, para hallar fe, amor, esperanza -sin un connotado estrictamente religioso-; para simplemente experimentar que amamos la vida y aprendimos a ser lo que quisimos y pudimos ser.

La duda (Doubt). Son cuatro miradas diferentes a un incidente no comprobado, a una duda: ¿qué pasó en la sacristía entre el Padre Flynn y su pequeño amigo monaguillo? Cuatro miradas que pueden ser la de cualquiera de nosotros: juicio o comprensión, intransigencia o verdad, reclamo o bondad, firmeza o debilidad…La historia en Duda –con un inteligente libreto más teatral que cinematográfico- invita a abrir nuestra mirada y nuestras convicciones a lo que hay en la otra persona: quizás el otro pudiera desarmarnos y nos permitiera alcanzar una verdad que está más allá de una certeza y más cerca del amor y de la condición humana.

Milk. La sólida historia escrita por Dustin Lance Black, resultado de una investigación documental con innumerables testimonios de los protagonistas reales, recorre la lucha y ascensión política y social de Harvey Milk, desde que llegó al barrio Castro de San Francisco en 1972, hasta su asesinato en 1978, siendo concejal de la ciudad y luchador por los derechos de las personas homosexuales. El gran trabajo de Gus van Sant en la narrativa y de la fotografía y la dirección artística consigue una notable recreación de la época, además de un bello testimonio sobre la esperanza como principal arma de lucha contra el rechazo que provoca en algunos la orientación homosexual. En estos tiempos que escuchamos repetidamente decir que no hay más utopías, que todo es cinismo y falta de compromiso, Milk se presenta como una película de un inusitado compromiso político y social, sobre una persona real que decidió cambiar el mundo, empezando por ella misma, y se entregó a defender la dignidad humana de los rechazados sociales.

Sólo un sueño (Revolutionary Road), resulta la otra cara de la propuesta para una mirada esperanzada. Historia desoladora en que unos personajes ahogados en la rutina y en su egoísmo no saben amar ni evolucionar hacia ninguna parte, como reflejo y protagonistas de una sociedad occidental enferma que seduce con el engaño de la comodidad y la prosperidad, de la apariencia y las falsas ilusiones, y deja en la infelicidad y en un “vacío desesperanzado”.
WALL-E es la última y extraordinaria propuesta de Pixar y Disney. Tras 700 solitarios años haciendo aquello para lo que fue construido: limpiar el planeta tierra de tanta basura y contaminación en que ha quedado, WALL-E descubre una nueva misión en su vida cuando se encuentra con un pulcro y perfecto robot explorador femenino llamado Eve (“evaluadora de vida extraterrestre”) y siente la chispa del amor. El viaje de ambos a través de la galaxia –incluidas música y coreografías de Hello, Dolly!- desencadena una de las más emocionantes e imaginativas comedias de aventuras llevadas al cine. Junto a Wall-E, en este fantástico viaje hay un comiquísimo y simbólico elenco de personajes, como una cucaracha mascota y un heroico equipo de robots destartalados, y unos humanos convertidos en mascotas que engordan con comida chatarra mirando la televisión. Estamos ante una fábula conmovedora, tierna y extraordinariamente visual, en que Wall-E es como el Chaplin del siglo XXI.
Entre les murs (La clase), del francés de Laurent Cantet, construye una simbiosis entre la realidad y la ficción en el marco de una escuela de un barrio francés de inmigrantes. Fiel a los principios de la propuesta, el director jamás abandona el perímetro marcado por los muros del centro, en el que seremos testigos privilegiados de los conflictos y discusiones de un profesor entregado a su labor como pedagogo y tutor, y unos alumnos que deben acarrear con los estigmas de su entorno social. Juntos han de aprender –no tan fácilmente- los valores de la democracia, la convivencia, el respeto y los requisitos éticos de todo proceso educativo.

El cine nos ayuda a mirar a personas que se atreven a salir de sí para ir hacia los otros y amarlos, defenderlos, acompañarlos…Estas historias nos siguen recordando que sólo nos encontramos a nosotros mismos rompiendo nuestra cerrazón y abriéndonos a la realidad de los demás, a lo que alguien diferente nos regala; a la gratuidad de la confianza y de la interpelación de otro ser humano, otra cultura, otras esperanzas; a la mirada a los otros que se convierte en solidaridad.

Luis García Orso
México, Febrero 23 de 2009

jueves, 19 de febrero de 2009

SÓLO UN SUEÑO (REVOLUTIONARY ROAD)


SÓLO UN SUEÑO (REVOLUTIONARY ROAD)
Luis García Orso

Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, la pareja idealizada en la empalagosa y triunfadora historia del Titanic, vuelve a reunirse once años después, ahora como un matrimonio común norteamericano de 1955 que pretende sacar adelante sus ilusiones y sólo conseguirá exhibir sus más amargas frustraciones y sucumbir a otro naufragio, mucho más real y sin la menor pizca de sensiblería tramposa. Sólo la frustración que genera una sociedad –y así toda familia y toda persona- cimentada en el egoísmo y en la vacuidad.

Frank y April Wheeler se conocen poco después de terminar la Segunda Guerra Mundial, se enamoran a la primera y se casan. Guapos, jóvenes y con talento, se diría que componen el matrimonio perfecto. Son “gente especial” que se merece una linda casa en Revolutionary Road, no en las calles para gente común y corriente. Pero diez años después, y a pesar de que tienen dos hijos preciosos, su relación se ha anquilosado y se viene abajo. Ella ha conocido el fracaso de su carrera como actriz, y quedarse sólo en el hogar no la hace feliz; él tiene un trabajo gris de oficinista en el piso 15, con pocos alicientes, imitación de los veinte años que su padre trabajó en la misma empresa. La felicidad perfecta que debía embargarles, el sueño americano hecho realidad, no existe. ¿Qué hacer para volver a ilusionarse?

Adaptación de la novela homónima de Richard Yates, profesor universitario y guionista en Hollywood en los 60, Revolutionary Road se trató de filmar en aquella época y nadie se atrevió a producirla: les confrontaba y agredía demasiado. Se trata de una crónica del desamor, una mirada tremendamente pesimista a los Estados Unidos de los años 50 – pero que sigue tan actual- donde tras la fachada de una vida ideal se ocultan la frustración, el vacío, la desesperación paralizante. Historia desoladora en que unos personajes ahogados en la rutina y en su egoísmo no saben amar ni evolucionar hacia ninguna parte, como reflejo y protagonistas de una sociedad occidental enferma, que seduce con el engaño de la comodidad y la prosperidad, y deja en la infelicidad y en un “vacío desesperanzado”. Paradójicamente, un joven enfermo mental se convierte en el profeta que de pronto aparece para sacar a luz la verdad de lo que se vive.

Sam Mendes toma un guión perfecto y dirige con maestría una tragedia sin dejar espacio a la catarsis y a la complacencia, dejando que los personajes evolucionen desde su realidad y con todas sus amargas consecuencias. La temática nos conecta con la mejor tradición dramática de ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Mike Nichols, 1966), Gente como uno (Ordinary People, Robert Redford, 1980), y Belleza Americana (Sam Mendes, 1999). Leonardo DiCaprio y Kate Winslet dan su mejor actuación hasta ahora, y la narrativa luce además con una acertada iluminación de colores pastel deslavados y con la sobria música de Newman.



En el espléndido final de la historia, cuando nuevamente la simbólica mujer vendedora de apariencias dice que ha encontrado al mejor matrimonio de “gente bonita y triunfadora” para habitar una casa en Revolutionary Road, ya sabemos –tristemente- que es tiempo de apagar el sonido y dejar que la mujer siga hablando sola. Al cabo, todo es sólo un sueño… tan amargo como mentiroso.

Luis García Orso
México, Febrero16 de 2009

viernes, 13 de febrero de 2009

Complicaciones de volar un puente.



El arte tiende a ser una actividad solitaria: el pintor en su taller (con modelos desnudas, de preferencia, claro está), el escritor frente a su pluma de ganso, su Olivetti o su PC... Pero el cine, al revés, implica crear arte en colectivo. Algunas películas podrán haber sido creadas con escasez de medios, pero aún así requiere la cooperación de muchos técnicos en varios rubros distintos. Desgraciadamente, entre poner de acuerdo a tanta gente para hacer tal o cual cosa, suelen ocurrir accidentes. Uno de los costosos, ocurrió en la filmación de "El bueno, el malo y el feo", el clásico Spaghetti Western protagonizado por Clint Eastwood.

A pesar de ser largamente sindicada como italiana por ser un Spaghetti Western, por estar Sergio Leone de director, y por tener soundtrack de Ennio Morricone, lo cierto es que "El bueno, el malo y el feo" fue una coproducción entre capitales italianos, alemanes y españoles. Así es como el equipo productor arribó a España para rodar. Quienes hayan visto la peli recordarán que parte importante de la trama transcurre alrededor de las peripecias de los protas para volar un puente, en medio de la Guerra Civil de Estados Unidos (sí, un director italiano con capitales alemanes rueda en España una escena de yankis contra sudistas... ¡misterios del cine!). Para la escena, los esforzados ingenieros militares españoles levantaron todo un puente, simplemente para volarlo después. Como siempre las escenas que implican dinamitar cosas (automóviles, puentes, lo que sea) tienden a ser monetariamente costosas, sólo cabe hacer una sola toma, o los costos se encarecen astronómicamente, de manera que se pusieron todos de acuerdo para que saliera a la primera y sin error. La señal era que Sergio Leone diría "Vai!" ("¡Vamos!"), por un walkie-talkie, y entonces el capitán de los ingenieros militares que habían construido el puente, tendría el honor de presionar el detonador y volarlo a dinamitazo limpio.

El problema es que de pronto, por el mismo canal de walkie-talkie, un cualquiera del equipo técnico de la película le dijo a otro cualquiera "Vai! Vai!", refiriéndose a otro asuntillo completamente distinto. El capitán, con obediencia militar, creyó que Sergio Leone estaba dando la señal, y pulsó el detonador. El puente fue volado, y no había ninguna cámara rodando. Suerte hubo que tampoco había nadie ni en el puente ni en sus cercanías, así es que no hubo lesionados ni muertos que lamentar. Sergio Leone, furioso por supuesto, despidió al sujeto en cuestión. Pero el capitán, avergonzado en su honor militar, se comprometió a reconstruir por completo otra vez el mismo puente, mientras Sergio Leone rodaba otras escenas. La única condición que puso, es que el pobre desgraciado que había dado origen al problema fuera recontratado, a lo que Leone accedió. De esta manera el técnico volvió al set, Leone grabó otras escenas, el puente fue reconstruido... Y fue volado por segunda vez, ahora sí con todas las de la ley, con cámaras grabando la detonación.

miércoles, 11 de febrero de 2009

Mademoiselle en la alianza Francesa

El día de ayer, en otra noche de martes franco-cinéfilos, tuvimos la oportunidad de ver una hermosa película del realizador Phillippe Lioret; estoy hablando de, El desliz (Mademoiselle, en su titulo original) una bella aventura de romance pasajero.


Sinopsis:
Claire ( interpretada por Sandrine Bonnaire) es una bellisima agente de ventas, felizmente casada y con dos hijos. En el marco de la despedida de un colega de trabajo, asiste a una convención anual de farmacéuticos, y ahí se encuentra con Pierre, un simpático sujeto que se gana la vida junto a sus compañeros; divirtiendo a la gente con sus muy originales improvisaciones.
Un accidente hace que Claire, viaje junto a Pierre (Jacques Gamblin) y su grupo. Más tarde, Claire se da cuenta que se enamoró de Pierre... y que es correspondida. Sus dos mundos, totalmente opuestos colisionan y, durante 24 horas, son la pareja perfecta.

"El Desliz" es una pieza sencilla y directa, con una trama agradable e ingeniosa. Es inevitable para el espectador no quedarse fascinado con la hermosa sonrisa que la actriz Sandrine Bonnaire, nos regala a cada momento, además de su expresividad facial, que en cierto modo nos regala un pequeño dejo a Helent Hunt (una de mis actrices favoritas) solo que dotada de mucho mayor encanto. Destacable es también el excelente trabajo de fotografía, con tomas impecables y refrescantes para vista.

La relación entre Claire y Pierre es el clásico caso de amor a primera vista, cuando todo lo demás pasa a un segundo plano y lo único que importa es aprovechar cada segundo antes de que la realidad nos toque al hombro. filme delicado y de clara recomendación.

Nada más que decir por el momento.
¡Saludos!
via: http:templo-kaori.blogspot.com

lunes, 8 de diciembre de 2008

***FUTURE SHORTS*** on YouTube

Me llego por mail un excelente corto y de esa manera me enteré de una organización que celebra un festival en varios países

Ellos se presentan de esta manera y vale la pena seguir por you tube lo que están haciendo

¡Bienvenido al canal de Future Shorts Español en YouTube!

Cada mes te acercamos los mejores cortometrajes y vídeo-clips del Festival Future Shorts que se celebra alrededor de todo el mundo.

Por favor, cuelga comentarios o vídeos sobre nuestro canal.


Future Shorts es la más grande y dinámica plataforma de cortos con festivales en más de 25 países. Apasionados por crear una cultura del cortometraje y creando eventos que combinan música, arte y teatro. Future Shorts quiere construir un diálogo entre cineastas y el público por lo que esperamos que comentes sobre los cortos del canal.

---------------------------

¿Te gusta lo que ves?

----------------------------

Proyecciones de Future Shorts

Cada mes programamos sesiones de cortometrajes en cines y locales en España y Colombia por el momento, en Madrid, Barcelona, Asturias, Granada, Cuenca, Canarias y Bogotá. También participamos en muchos otros festivales multimedia y musicales. Encontrarás más información sobre nosotros y dónde puedes ir a nuestros eventos en nuestras páginas web: http://www.futureshorts.es y http://www.futureshorts.com/co lombia


miércoles, 19 de noviembre de 2008

Les Femmes de l'ombre


Ayer en la Alianza se proyectó una película de reciente producción Francesa, de tipo dramático, buen filme en mi opinión, trata de un grupo de mujeres que son organizadas para rescatar a un geologo que fue capturado por los alemanes en la zona de Nombardia; muchos muertos, explosiones y acción, mujeres de diferentes orígenes parece mas cine norteamericano.

SINOPSIS

Mayo de 1944, un grupo de mujeres y luchadores de la resistencia se enrolaron en un grupo de operaciones del ejército inglés bajo el mando de Louise Desfontaine (Sophie Marceau) y su hermano Pierre (Julien Boisselier). Su misión: rescatar a un geólogo militar inglés capturado mientras hacía un reconocimiento de las playas de Normandía y matar a un coronel alemán de las SS que está a punto de descubrir el inminente secreto del Día D. pagina oficial http://www.tfmdistribution.fr/lesfemmesdelombre/


viernes, 31 de octubre de 2008

kada kien su Karma...


Apesar de tener dos excelentes actores Blanca Guerra y José Alonso kada kien su karma parece mas una telenovela que una verdadera película; es una lastima la manera en que se desarrolla el tema, ya que los actores son muy buenos, el argumento es muy interesante pero entre tantos chistes y personajes cómicos parece mas una película dominguera para el canal de las estrellas solo falto el compayito.


sinopsis

Toda mujer abandonada ha soñado alguna vez con vengarse de su marido. El destino le regala a Eva (Blanca Guerra) esa posibilidad. Al cumplirse el primer año de haber huido para buscar el amor de una mujer más joven; Joaquín (José Alonso), su exmarido, tiene que regresar a la casa familiar temporalmente inválido. Eva será quien se encargue de cuidarlo. Una película donde nos reiremos del miedo que sienten las mujeres al abandono y los hombres a la impotencia



jueves, 30 de octubre de 2008

Seda libro y pelicula

A principios de este año cayo en mi colección esta película que invitaba a verse por la sinopsis y especialmente por los lugares en donde se fue filmada.

Así en aquellos meses la vi, la disfrute y la preste; No se donde esta actualmente, me gusto, pero no para conservarla como una joya y guardarla para mi solamente.

Este mes llego a mis manos el libro del que se desprende la película, investigando para publicarla en este espacio encontré información muy interesante en cuanto al éxito de la obra literaria, fue verdadero bestseller en Europa, tan solo en la presentación de la editorial Anagrama van por la trigésima edición en el año 2004 y parece que en números que por la web pude encontrar tan solo en Francia hacia el año 1998 llevaba vendidos 200 mil ejemplares

En mi opinión la novela es desde luego superior a la película sin embargo la película tiene una fotografía estupenda ambas son altamente recomendables.

En una extensa entrevista al autor revela los siguientes detalles


Pregunta.- Seda ha estado durante más de 30 semanas en la lista de los 10 libros más vendidos en España, donde se han vendido unos 60.000 ejemplares. En Italia logró cifras altísimas y en Francia se vendieron 200.000 ejemplares. ¿Cómo explica el éxito del libro en tantos países, tan distintos además por sensibilidad e intereses?
Respuesta.- Son distintos, pero en definitiva son países europeos. Y Seda es una historia antes de ser un libro. Es, sobre todo, una historia. Y a las historias les resbalan las fronteras.


P.- Seda fue presentado en Italia hace unos años en un teatro de la capital, donde una actriz leyó en voz alta el texto desde la primera hasta la última página. ¿Por qué se le ocurrió dar a conocer el libro de ese modo?
R.- Porque me aburren demasiado las presentaciones tradicionales. Y se aburren bastante también los demás.


P.- ¿Cómo nació Seda?
R.- Un día, un amigo mío me contó que un antepasado suyo tenía un oficio algo raro. Partía una vez al año, atravesaba el mundo, meses después llegaba a Japón, compraba huevos de gusanos de seda y, luego, regresaba a Italia y los vendía. El resto del año descansaba. Estábamos esquiando cuando me contó esta historia. Me detuve, me quité los esquíes y empecé a pensar y a darle vueltas, y no dejé de hacerlo hasta que no escribí la última página.




P.- La novela cuenta una historia de sentimientos, pero casi sin hablar de ellos, sin describirlos. ¿Fue difícil?
R.- Fue un desafío. Quería contar esta historia contando los gestos y no los pensamientos. Sólo gestos. Me parecía el único modo posible de contar una historia como ésta. Fue difícil imaginar un libro de este tipo y decidir hacerlo. Después, escribirlo fue difícil, como siempre es difícil escribir, ni más ni menos.


P.- Seda está ambientada en 1861, Oceano Mare en un momento sin precisar "hace muchos años", Novecento a principios de siglo. ¿No le interesa contar historias actuales?
R.- Yo cuento historias de hoy. Es una ilusión óptica la que hace que parezcan ambientadas en otras épocas.

P.- ¿Qué autores le han influido más?
R.- Sin un orden preciso, Céline, Salinger, McEnroe, Stanley Kubrick, Walt Disney, Liberatore...


P.- Usted ha creado en Turín una escuela para enseñar a escribir.¿Cree que no se nace escritor, sino que se hace?
R.- Se trata de una escuela que enseña a narrar y no sólo a escribir. También hacemos cine, teatro, publicidad, periodismo, y todo lo que es narración. Creo que se puede dar a los chicos una formación particular que los haga capaces de narrar con mayor conciencia y un patrimonio de referencias muy rico. Creo que esto se puede hacer. Y hacerlos salir de su soledad, obligarlos a entender si tienen talento o no. Son cosas que sólo una escuela puede hacer.


la entrevista completa aqui


Ana Belen-- La Pasion Turca


Título: 'La pasión turca'
Año: 1994
Director: Vicente Aranda
Reparto: Ana Belén, George Corraface, Loles León y Silvia Munt, entre muchos otros.
Adapt: Novela de Antonio Gala


Ayer en la TVE televisión española por cabe transmitieron esta película de tipo Drama Amor y humillación. erótico; un filme realizado en Estambul que narra el caso de una mujer que se obsesiona por un hombre y se deja llevar por la pasión.

Ella tiene todo lo que muchas mujeres desearían un matrimonio perfecto un hombre que la ama un nivel de vida desahogado sin embargo la pasión la hace dar un giro a su vida

la fotografía es muy buena la imágenes en Estambul son estupendas la música en fin muy buena película y muy gráfica escenas fuertes algunos críticos la consideran imprescindible


Aqui el trailer:




Secuencia divertida y triste al mismo tiempo de esta película, sin duda uno de los mayores éxitos cinematográficos de la carrera de Ana Belén y su interpretación en el cine más conocida y popular entre el público.

Fue una película muy controvertida y alcanzó una gran fama, que la convirtió en una de las producciones más taquilleras del cine realizado en España.

En esta escena, Desideria, el personaje de Ana Belén, algo perjudicada por el alcohol, se encuentra en un restaurante con su amante turco Yamam y canta fragmentos de canciones. En primer lugar la popular copla 'El beso' y después un trocito de una jotica aragonesa